manifestationsculturelles autour de Bagnères-de-Luchon événements dans le département Haute-Garonne Les secrets de Decize. Visite guidée, Patrimoine - Culture Decize 58300 Le 25/08/2022. Alors que la foule s'est clairsemée et que la chaleur estivale s'est estompée, cheminez dans Decize avec Cécile et Marie, guides conférencières, pour découvrir l’histoire

mars-avril 2010 n° 565 janvier-février 2010 n° 564 novembre-décembre 2009 n° 563 Sommaire 1. Editorial 2. Informations générales 3. Varia 4. Manifestations et concerts 5. Recensions de spectacles et concerts 6. Annonces de spectacles lyriques 7. Exposition Chopin "La Note bleue" 8. Maximianno Cobra musique et symboles 9. L'édition musicale 10. Bibliographie 11. CDs et DVDs 12. La vie de L’éducation musicale Abonnez-vous à L'éducation musicale et recevez 3 dossiers gratuits Wolfgang, Franz, Jean et… les autres ! C’est une avalanche de courriels qu’aura suscités notre dossier Musique et franc-maçonnerie ». Propos unanimement élogieux, souvent assortis de demandes d’informations - sur la maçonnerie bien sûr, mais aussi sur l’identité de notre publication créée en 1945, plus ancien magazine musical français en activité*. Si tout le monde sait l’appartenance maçonnique de Mozart, rares étaient ceux de nos lecteurs – même férus d’histoire – à savoir celle de Haydn, Saint-Georges, Liszt ou Sibelius. Questions rarement abordées au demeurant, sinon dans des publications aussi confidentielles que musicalement peu autorisées… Toutes appartenances que, par ailleurs, de bonnes âmes - à Rome, sans doute, inféodées – occultèrent toujours à dessein. Bien que nul n’ignore qu’un engagement maçonnique ne fut jamais exclusif d’une sincère foi religieuse – singulièrement chez les compositeurs, où mécréance et maçonnitude ne firent jamais bon ménage… À la différence de ce qu’il en est chez les écrivains, dont on se plaît toujours à évoquer le cas de Voltaire, de Choderlos de Laclos ou du marquis de Sade… Francis B. Cousté. ____________ *Éditions Beauchesne 7, cité du Cardinal-Lemoine, 75005 Paris. Tél. 01 53 10 08 18. contact Haut Botticelli, Le Printemps BOEN n°9 du 4 mars 2010 Programmes limitatifs des enseignements artistiques en classe terminale pour l'année scolaire 2010-2011 & pour la session 2011 du baccalauréat BOEN n°10 du 11 mars 2010. La dimension éducative & pédagogique des résidences d’artistes BOEN n°11 du 18 mars 2010. Préparation de la rentrée 2010. Voir Ancrer l’éducation artistique & culturelle » Le Bulletin officiel de l’Éducation nationale est librement consultable sur Séminaire post-doctoral Le Roi David d’Arthur Honegger tradition et modernité », par Huguette Calmel, jeudi 20 mai 2010, 17h-19h. Maison de la Recherche 28, rue Serpente, Paris VIe. Entrée libre. Renseignements 01 40 46 22 11. Arthur Honegger 1921 ©DR Heureux Londoniens ! Boris Johnson, maire de Londres, a publié, le 2 mars 2010 Making Music Matter Music Education Strategy for London 2010-2012 » et dévoilé son projet d’une nouvelle fondation destinée à développer l’éducation musicale dans la capitale. Plus de £ ont été ainsi provisionnées pour offrir aux jeunes Londoniens de nouvelles musical opportunities » de pratique aussi bien que d’écoute. Cette somme inclut notamment un Fonds pour l’éducation musicale », d’un montant de £ Renseignements ©DR L’édition 2011 de La Folle Journée de Nantes » sera consacrée au post-romantisme Liszt, Brahms, Mahler, Bruckner, R. Strauss, la Seconde École de Vienne. Renseignements 02 51 88 36 36. Le Belem dans le port de Nantes ©DR Pôle d’enseignement supérieur de la musique en Bourgogne. Les inscriptions sont ouvertes dans les spécialités Chanteur et instrumentiste domaine du jazz & des musiques amplifiées / Instrumentiste répertoires du classique au contemporain. Renseignements 36-38, rue Chabot-Charny, 21000 Dijon. Tél. 03 80 58 98 90. La Fondation Francis & Mica Salabert, que dirige aujourd’hui le compositeur Michel Decoust [notre photo], poursuit sa mission de soutien au patrimoine, à la recherche et à la création – en favorisant, notamment, la publication de monographies, disques et partitions, mais aussi en participant à des prix, commandes et événements. Renseignements 01 42 93 87 13. ©DR Le Salon Musicora, que dirigeait jusqu’à présent sa fondatrice Jessie Westenholz, a été racheté par l’agence de production & de communication Sequenza Marianne Gaussiat, Isabelle Gillouard, Julia Grandfils. La prochaine édition de Musicora se tiendra début 2011. Renseignements 01 45 43 77 58. 18th Jeunesses International Music Competition ». Consacré à la flûte, ce concours se déroulera à Bucarest Roumanie, du 7 au 13 mai… 2011 . Renseignements The Juilliard School. Au sein de cette prestigieuse académie new-yorkaise, seront donnés, les 21, 23 et 25 avril 2010, les Dialogues des Carmélites de Francis Poulenc. Sous la direction de Anne Manson [notre photo]. Renseignements ou voire ©Dario Acosta *** Haut Selon la Halakha, la Loi juive », la voix humaine exprimerait la nudité. Une femme ne saurait donc chanter devant des hommes a estimé David Messas, grand rabbin de Paris. Devant le tollé soulevé, il a dû toutefois lever l’interdiction d’un concert de la chanteuse yiddish Talila [notre photo], à Saint-Maur Val-de-Marne, le 28 février 2010 . ©DR 2e Concours international de composition Edison Denisov. Ce concours est ouvert aux compositeurs de toute nationalité, nés après le 1er octobre 1975. L’effectif instrumental adopté est flûte traversière & trio à cordes violon, alto, violoncelle. Durée 8’-10’. Dossiers à envoyer, avant le 20 septembre 2010, à Union des compositeurs – Brusov pereulok 8/10, 103009 Moscou. Renseignements L’Allemande Karen-Nikola Lutz a remporté le Concours international de saxophone de Paris/Ville-d’Avray 13-14 mars 2010. Renseignements ©DR Délicieuse Stacey Kent… et merveilleuse chanson ! It might as well be spring, 1945 Music Richard Rogers / Lyrics Oscar Hammerstein II / Paroles françaises Jean Sablon Stacey Kent ©DR Richard Rogers ©DR Un Musée Chopin, de conception ultra-moderne » nous dit-on, vient d’ouvrir en mars 2010 à Varsovie. Il est hébergé dans le palais Ostrogski, imposante demeure du XVIIe siècle [notre photo]. Renseignements ©DR Pour tangueros impénitents, une mine de délices ! La Fédération des associations de musiciens éducateurs du Québec Fameq n’a de cesse d’étendre son action It’s more fun to compete !... Selon John Kennedy[notre photo], PDG de la Fédération internationale de l’industrie phonographique IFPI, sont aujourd’hui inscrits sur Myspace 1,8 million de groupes de rock & 2,5 millions de groupes hip-hop. ©DR Muendo », réseau social pour musiciens & professionnels de la musique classique, lance ses filets. Renseignements Les Enfantastiques », chorale de 20 enfants anglophones, tous élèves de L’Ermitage, école internationale de France, viennent de sortir The Fantastikids, 16 chansons adaptées et interprétées en anglais. Renseignements Le 11e Grand Prix Lycéen des Compositeurs, organisé par La Lettre du Musicien, a été décerné à Benjamin de la Fuente [notre photo] pour Got Rid of the Shackles, le vendredi 19 mars, à Paris, en la Maison de Radio France. ©Arthur Péquin *** Haut Répons » de Pierre Boulez, pour 6 solistes 2 pianos, 1 harpe, 1 cymbalum, 2 percussions, ensemble & dispositif électronique, sera donné, le jeudi 15 avril, à 20h, en la Salle des concerts de la Cité de la musique. Ensemble Intercontemporain, dir. Susanna Mälkki. L’œuvre sera donnée deux fois au cours du concert. Le public sera invité à changer de place - donc de point de vue & d’écoute de cette œuvre spatialisée. Renseignements 01 44 84 44 84 . Les Concerts d’Athalie », orchestre symphonique dirigé par Léonard Ganvert, donnera en première audition, à Paris, Salle Gaveau, les samedi 17 avril 20h30 et dimanche 18 avril 16h00 la suite Embrujo de Andalucía Envoûtement d’Andalousie d’Esteban Bastida Sánchez & José Antonio García Alvarez. Avec le concours du ballet de Bélen López. Renseignements 45, rue La Boétie, Paris VIIIe. Tél. 01 49 53 05 07. ou Au Château de La Petite Malmaison, seront donnés, le dimanche 11 avril 2010 Trio op. 49 de Felix Mendelssohn et Trio en ré mineur de Félicien David. Avec Vadim Tchijik violon, Fabrice Loyal violoncelle & Tanya Pandova piano. Visite du château à 15h30 ; concert à 17h00. Renseignements 229bis, rue Bonaparte, 92500 Rueil-Malmaison. Tél. 01 47 32 02 02. La Journée mondiale de la Voix » se déroulera, le 16 avril 2010, à l’Hôpital Sainte-Anne Grand Amphithéâtre de la CMME – 100, rue de la Santé, Paris XIVe. Rencontres entre psychanalystes, philosophes & musiciens. Ouvert au public. Renseignements Les musiques », Festival international des musiques d’aujourd’hui, se déroulera à Marseille, du 17 avril au 1er mai 2010. Concerts, opéra, danse, installations multimédia, cinéma, rencontres… Renseignements 04 96 20 60 10 . Semaine acousmatique 2010 au Val Maubuée [77] du 4 au 7 mai. Compositeur invité Elzbieta Sikora [notre photo]. Jeudi 6 mai, 20 h30 Concert-portrait Elzbieta Sikora Composer une œuvre, mixte, acousmatique » La Tête d’Orphée II flûte & support audio, Chicago al fresco support audio, Janek Wisniewski, support audio, Reflets irisés piano & support audio, Rouge d’été support audio. Vendredi 7 mai, 19 h30 Concert experimental des étudiants. Renseignements Auditorium Jean Cocteau – 34bis, cours des Roches, 77186 Noisiel. Tél. 01 60 05 76 35 . ou ©DR Au Palazzetto Bru Zane, Centre de musique romantique française à Venise, se déroulera, du 8 avril au 19 mai 2010, le Festival Le piano romantique. Renseignements +39 041 52 11 005. 1re édition du Salon du livre de musique en Bretagne ». Cette manifestation se déroulera à Lorient, du 28 au 30 mai 2010 . Renseignements 06 12 50 88 40 ou 06 78 90 78 91 . My Way to Hell, cross-over opera » de Matteo Franceschini musique & Volodia Serre régie, créé en mars 2010 à la Cartonnerie de Reims, est en tournée, en France, jusqu’au 1er juin Saint-Quentin-en-Yvelines, Rambouillet, Sedan, Rethel, Chaumont, Wassy, Dijon, Villejuif, Mantes-la-Jolie. Renseignements 01 43 72 66 66. Le Festival de Saint-Denis [Classique / Métis / Création] se déroulera, dans la basilique & des salles voisines, du 1er juin au 1er juillet 2010. Renseignements 01 48 13 06 07. Basilique de Saint-Denis ©DR Festivals de musiques classiques en Bretagne. Pas moins de trente festivals sont déjà programmés pour l’été 2010 ! Renseignements FFMCB – 9, rue d’Asfeld, 35400 Saint-Malo. Francis Cousté. *** Haut Deuxième Concerto pour piano » de Philippe Hersant. Création à Rennes, le 4 mars 2010 . Actuellement au centre d'une résidence de trois ans auprès de l'Orchestre de Bretagne, dont le premier épisode lui a rapporté une Victoire de la musique, Philippe Hersant offrait cette année au public rennais une deuxième création, en attendant un Concerto pour clarinette la saison prochaine. Revenant à l'alliage piano-orchestre, le compositeur s'est efforcé de s'éloigner des sombres flots Streams que charriait son Premier Concerto 2000, créé par une fidèle du compositeur, Alice Ader, dont on déplore de ne guère entendre souvent l'ample et profonde sonorité par les temps qui courent ! Le zapping médiatique rejetterait-il dans une injuste confidentialité cette grande dame à qui le répertoire du XXe siècle doit tant ? Aux obsessives figures de tintements graves que le compositeur affectionne au piano succède aujourd'hui une errance plus insouciante mais non exempte d'orages, plus projetée vers les clartés de l'instrument. Les saveurs harmoniques propres à Philippe Hersant n'en sont pas moins présentes, et ce, dès l'entrée du piano qui semble s'introduire comme en décalage rêveur sur le discours que poursuit de son côté l'orchestre. Chacun des deux protagonistes l'orchestre, le piano poursuit d'ailleurs la croissance parallèle de ses propres éléments, comme superposant deux arts de digresser, complémentaires mais indépendants. En résulte, dans les moments où une polarité ne craint pas de s'affirmer, une polytonalité ou polymodalité qui donne chair pulpeuse à ce qui tendrait vers un ancrage traditionnel c'est un exemple auquel les adeptes du courant néo-tonal pourraient emprunter quelques saveurs épicées, au lieu de nous cuisiner toujours les mêmes plats réchauffés au micro-onde. L'œuvre est écrite pour le piano, et non contre lui; la musique caresse le clavier, soulève quelque tempête, taille les sons des résonances issues de la pédale harmonique, évoque passagèrement le gamelan balinais, le tout dans un flux ininterrompu qui se développe comme une structure organique, générative, où la logique des enchaînements répond à un épanouissement biologique tel que le concevait Carl Nielsen. Dirigé par Olari Elts, jeune chef balte qui a fait office de docteur Miracle » pour l'Orchestre de Bretagne, lui permettant d'accéder à un palier supérieur dans la qualité d'exécution, le nouveau Concerto de Philippe Hersant bénéficiait de l'infinie science tactile de Frank Braley [notre photo], dont les apparitions dans le champ de la musique contemporaine sont trop rares. L'aisance avec laquelle le pianiste, en poète lyrique, s'est approprié la partition et a su faire admirablement sonner la moindre intention du compositeur, nous incite à une réflexion non dénuée d'arrière-plans quant à l'interprétation d'œuvres nouvelles si certains artistes font une carrière – certes louable – de spécialiste » dans le répertoire contemporain, il advient que l'on découvre, au détour de quelque œuvre aux résonances chaudement évocatrices, combien les caractéristiques de leur jeu craindraient la comparaison dans les champs si fréquemment labourés et par les plus illustres ! du grand » répertoire; tous n'ont pas, en effet, la chaude et marquante personnalité que nous vantions plus haut chez Alice Ader. En revanche, il est salutaire, pour les compositeurs d'aujourd'hui, qu'un interprète nourri de la pratique dudit grand » répertoire, leur apporte tout le bagage que cette fréquentation véhicule une palette sonore tissant la délicatesse mozartienne à la densité brahmsienne, la pure carnation schubertienne au cantabile chopinien, la sensualité harmonique debussyste à la résonante puissance russe ! Une écriture comme celle de Philippe Hersant, non déconnectée de l'histoire, généreuse et charnue, riche d'émissions de sons harmoniques sur les fondations de graves profonds, appelle un pianisme façonné par tant d'illustres prédécesseurs, et la sécheresse d'une dissection de laborantin dénaturerait son message expressif. Ainsi la rencontre entre Frank Braley et Philippe Hersant a-t-elle fonctionné comme si elle allait de soi ! ©DR Sylviane Falcinelli Les Berliner Barock Solisten à la Cité de la musique. Le Berliner Philharmoniker, le fabuleux orchestre symphonique que l'on sait, comprend aussi plusieurs formations satellites, orchestre de chambre, quatuors, ensemble de violoncelles, etc… Les Berliner Barock Solisten, fondés dans les années 90, par des chefs de pupitre de l'orchestre auxquels se sont joints des musiciens berlinois spécialistes du baroque, se sont assignés la tâche de faire revivre ce répertoire. Ils sont d'ailleurs dirigés actuellement par Bernhard Forck qui n'est autre que le premier violon d'un autre ensemble de renom, l'Akademie für alte Musik Berlin. Composés d'une quinzaine d'instrumentistes, ils jouent aussi bien des œuvres purement orchestrales que des pièces vocales. S'il est dans ce dernier domaine une œuvre emblématique, c'est bien le Stabat Mater de Giovanni Battista Pergolesi, sa dernière œuvre. En 12 pièces dont la concision n'empêche pas la beauté expressive, et où les voix en duo ou en solo interviennent sur une trame sonore d'une grande sobriété - les seules cordes, le théorbe et l'orgue positif - est dépeinte la douleur de Marie au pied de la croix, avant que ne soit affirmée la force lumineuse de la foi. Et la pièce devient un hymne vibrant à la Vierge elle-même, mère de compassion et de miséricorde. L'interprétation est justement dépourvue de toute l'emphase dont on a si souvent affublée l'œuvre. L'écriture directe et vivante, aux frontières du baroque par son élégance, n'est jamais si bien servie que par l'ascétisme sonore d'un petit ensemble, et des tempos vifs, souvent presque allègres. Deux voix magnifiques et toutes d'intériorité l'adornent au soprano délicatement émouvant de Sandrine Piau répond l'alto d'une émotion retenue de Bernarda Fink. L'équilibre parfait qui naît de l'enlacement de ces deux timbres est pure félicité. En guise de mise en bouche, l'ensemble proposait des ouvrages moins connus, d'auteurs peu joués. Ainsi en est-il du Concerto grosso de Francesco Durante, grand pédagogue qui fut le maître, entre autres, de Pergolèse. La Sonate a quattro de Domenico Gallo, dite La Follia », figure thématique très à l'honneur à l'époque, est une suite de variations fort originales. Le Salve regina de Johann Adolf Hasse propose une variation belcantiste et virtuose que Barbara Fink enlumine de son beau timbre grave. Béatrice et Bénédict à l'Opéra Comique. Opéra comique en deux actes d’Hector Berlioz. Livret de l'auteur, d'après Beaucoup de bruit pour rien de William Shakespeare ; adapté par Dan Jemmett & Bob Goody. Christine Rice, Allan Clayton, Ailish Tynan, Élodie Méchain, Jérôme Varnier, Michel Trempont, Bob Goody. Chœur Les Éléments, La Chambre philharmonique, dir. Emmanuel Krivine. Mise en scène Dan Jemmett. Longtemps caressé, le projet d'écrire d'après Beaucoup de bruit pour rien, ne se concrétisera qu'à l'automne de la vie créatrice de Berlioz. Quiproquo amoureux, ou comment résister à s'enfermer dans l'enfer amoureux, Béatrice et Bénédict est une comédie douce-amère, feu d'artifice d'esprit, d'un raffinement extrême. L'auteur dira l'avoir écrite con furia », tel un grand scherzo plein de verve. Reste qu'elle est composite airs et ensembles sont entrecoupés de dialogues qui juxtaposent plus qu'ils ne lient. Aussi est-elle délicate à faire vivre à la scène. Il n'est pas sûr que le parti adopté par Dan Jemmett soit d'une grande aide pour décrypter ce qui est ici dramaturgie discontinue. La prétendue lumineuse idée d'enchâsser le texte parlé dans un cadre shakespearien, en introduisant un encombrant maître de cérémonie débitant quelque propos explicatif en anglais, alors qu'il s'affaire à tirer les ficelles de ce qui devient un jeu de marionnettes, n'est-elle pas le type même de la fausse bonne idée ? En tout cas, l'idée est étrange de la part d'un metteur en scène qui affirme que Berlioz a génialement perçu l'inutilité de mettre Shakespeare en musique ». Les personnages, réduits à une dimension artificielle, se mouvant de manière saccadée comme des automates, n'accèdent pas à la crédibilité. Et que dire des effets appuyés qu'accentue un attirail moyenâgeux dans les costumes et la décoration, rehaussée de deux figures de géants, façon Gayant des fêtes du Nord... ©Pierre Grosbois/Opéra Comique On n'est pas à l'aise pour les interprètes devant un tel traitement, mis à part quelques moments de grâce où ils s'en affranchissent, tel le duo final du Ier acte - géniale idée du musicien de conclure non sur un ensemble clinquant, mais par un pur morceau poétique. Le chant n'est pas non plus toujours immaculé, notamment chez les deux protagonistes, Christine Rice et Allan Clayton, qu'on a entendu en bien meilleures conditions outre-Manche. Car le piquant est que la distribution réunie est largement britannique, ce qui - en dehors de l'hommage rendu à la nation qui sait si bien honorer Berlioz - ajoute encore au caractère curieux de l'affaire, de par une diction mâtinée d'un léger accent d'Albion. Seuls Élodie Méchain, Ursule, beau timbre de mezzo grave et parfaite articulation, et le vétéran Michel Trempont, Somarone, qui campe avec grande allure et un vrai sens comique quelque compositeur empourpré dans sa propre glorification, se détachent du lot. Les sonorités aériennes, quoique un peu aigres dans les cordes, et les rythmes inattendus trouvent leur maître chez Emmanuel Krivine, à la tête de son orchestre de la Chambre Philharmonique ; même si l'acoustique hyper-présente masque les effets de spatialisation si originaux imaginés par Berlioz. ©Pierre Grosbois/Opéra Comique Un air de Festival de Lugano », à Pleyel. Le Projetto Argerich » réunit tous les ans, en juin, à Lugano, autour de la célèbre pianiste, des musiciens que rassemble une commune idée faire de la musique de chambre sans façons, mais de qualité. Une sorte de grande famille où se côtoient les vieux amis dont elle aime à s'entourer et les jeunes pousses qu'elle entraîne dans sa renommée. Olivier Bellamy a écrit que, là, elle est la reine des abeilles au milieu d'une ruche bourdonnante » Martha Argerich. L'Enfant et les sortilèges, Buchet/Chastel. C'est un peu de cet esprit qui planait l'autre soir dans une Salle Pleyel comble public avide d'une des rares apparitions de la pianiste et musiciens admirateurs venus apprécier ce que faire de la musique entre amis » veut dire. Trois éléments sont incontournables diversité des interprètes, système du concert à géométrie variable - en l'occurrence du solo au quatuor, en passant par le duo ou le jeu à deux pianos - enfin panachage quant à la programmation en l'espèce de Beethoven à Bartók, en empruntant aussi des chemins moins connus. On admire la maestria de Nelson Goerner, dans la Fantasia baetica de Manuel de Falla, dédiée à Arthur Rubinstein, toute de rugosité pianistique, à l'aune de la bigarrure andalouse qu'elle illustre ; comme la forte personnalité de la pianiste russe Lilya Zilberstein dans Prélude et fugue pour piano op. 29 de Sergueï Taneïev, élève de Tchaïkovski et créateur de ses trois concertos pour piano musique aux harmonies recherchées bien que puisant aux grands anciens. Si le Quatuor avec piano et cordes n°3 de Beethoven, qui ouvrait le concert, paraît sage, la Sonate pour violon et piano de Debussy est vaillamment défendue par deux jeunes talents Akané Sakai & Geza Hosszu-Legocky. Ses prestations, si attendues, Martha Argerich les réserve à la fin de chacune des deux parties du concert. La Suite pour deux pianos, dite Fantaisie-Tableaux », de Rachmaninov 1893, elle aime l'inscrire à ses concerts. Musique à programme, certes, ce qui est rare chez le compositeur-virtuose, mais évocatrice de climats choisis, tour à tour fluide comme l'eau ou martelée telle une volée de cloches ostinato, dont les sonorités hantaient tant le musicien. La pièce offre matière à briller pour ses interprètes Argerich et Zilberstein sont là de formidables complices. Dans la Sonate pour deux pianos et percussion de Bartók, la pianiste argentine fait équipe avec Nelson Goerner et deux percussionnistes français. Les terribles difficultés dont Bartók émaille la pièce, alors que les deux groupes d'instruments doivent être traités à égalité - le clavier étant considéré tout autant percussif – donnent, là encore, l'impression d'un feu d'artifice sonore très maîtrisé. ©DR Création d’Émilie, nouvel opéra de Kaija Saariaho à l'Opéra de Lyon. Opéra en neuf scènes. Livret d’Amin Maalouf. Karita Mattila, soprano. Orchestre de l'Opéra national de Lyon, dir. Kazushi Ono. Mise en scène François Girard. Pour son troisième opéra, Kaija Saariaho a voulu écrire un monodrame pour sa compatriote, la grande cantatrice finlandaise Karita Mattila. Le choix de cette artiste a dicté celui du sujet. Fascinée par cette voix singulière et cet être intense, passionnel et chaleureux », elle dit avoir été bouleversée par son interprétation du rôle-titre de Fidelio. Dès lors, le destin d'une femme hors du commun, échappant aux stéréotypes traditionnels, s'est imposé. Et naturellement, celui d’Émilie du Châtelet, dont elle avait eu connaissance à travers l'ouvrage d’Élisabeth Badinter Mme du Châtelet, ou l'ambition féminine au XVIIIe siècle, Paris, Flammarion, 1983. Celle dont Voltaire dira dans une épitaphe elle aima les plaisirs, les arts, la vérité » est une femme au-dessus du lot. Première femme scientifique moderne, elle traduira Newton. Mais elle fut aussi une femme libre. Elle vivra une vie de passions effrénées et Voltaire sera, pendant près de quinze ans, le plus illustre de ses amants. Kaija Saarihao dit avoir travaillé à un portrait de la divine abeille » au soir de sa vie, enceinte du marquis de Saint-Lambert et proche de la délivrance, alors qu'elle pressent quelque malheur, Émilie se remémore le passé, ses amours, son travail scientifique, ses joies, ses angoisses, la crainte de sombrer dans l'oubli. © Maurin On sait la difficulté du genre du monodrame. Le fait qu'il n'y ait ici pas d'intrigue à proprement parler à la différence de La Voix humaine de Poulenc, par exemple, n'aide pas à la progression dramatique. Le texte d’Amin Maalouf, qui s'inspire de la vie et des travaux d'Émilie du Châtelet, est délivré en scansion. Condensé, il utilise volontiers la répétition. Une impression d'austérité domine. L'aspect discursif de la pensée se lit en miroir dans un espace musical ouvert. La mise en scène de François Girard n'élude pas le risque de monotonie. Elle s'attache à créer des atmosphères. L'écrin décoratif est un dispositif figurant le cabinet de travail de l'héroïne, où domine un matériel scientifique d'astronomie, qui se meut imperceptiblement au fil des épisodes, pour former des figures éloquentes, tel l'alignement des constellations aux couleurs suggestives 4e tableau Rayons. La performance de Karita Mattila tient du tour de force l'incandescence de la voix, sollicitée dans un mélange de déclamation calme et de chant paroxystique tient en haleine ; tout comme sa puissance que couronnent de formidables échappées vers l'aigu. Usant de la faconde naturelle qu'elle met au service de Leonore, Salomé ou Tosca, elle fait vibrer intensément le discours passionné d'Émilie vis-à-vis de tout ce qui l'entoure. L'orchestre de l'Opéra de Lyon et son chef Kazushi Ono défendent avec panache la partition contrastée de Saariaho, qu'elle soit intime ou luminescente, de par ses couleurs et sa grande souplesse rythmique. © Maurin Jean-Pierre Robert. Créations à Lyon, de Patrick Burgan... Lyon s'impose comme un carrefour de la création, et encourage avec un dynamisme salutaire les initiatives dans le domaine de la musique contemporaine. Le 9 mars 2010, le tromboniste Fabrice Millischer qui, voici un an, avait créé en cette même ville le Concerto pour trombone de Jean Guillou, créait un autre Concerto, de Patrick Burgan cette fois La chute de Lucifer – d'après un extrait du Paradis perdu de John Milton – dont la partition sort simultanément chez un éditeur lyonnais Symétrie. Les Allemands ont très tôt repéré le jeune virtuose et favorisé son implantation chez eux ; on se réjouit de voir que celui-ci réussit à imposer son profil de brillant avocat de la musique contemporaine notamment française de chaque côté du Rhin. Patrick Burgan [notre photo] lui a écrit sur mesure » une vaste partition exploitant tout le spectre de l'instrument ; de surcroît, il a déchaîné autour de lui une très vivante orchestration qui colore d'une puissance suggestive le déroulement de ce que le compositeur lui-même décrit plus comme un poème symphonique que comme un concerto. ©DR Avec l'art consommé qu'on lui connaît, Patrick Burgan masque par l'éloquence picturale de son inspiration une magistrale technique d'écriture qui nous conduit de magmatiques bouillonnements d'agrégats en contrepoints de couleurs entre des strates instrumentales constamment en mouvement. Le mouvement central peint les combats entre les anges rebelles et les troupes célestes, mais c'est aussi une très habile fugue dodécaphonique, avant le profond dramatisme de la plongée dans l'Abîme. Une telle écriture permet de déceler toutes les qualités des étudiants constituant l'orchestre du CNSM de Lyon. On notera le rôle dévolu au violoncelle solo tenu ce jour par Clémence Ralincourt, en hommage à une notable particularité de Fabrice Millischer qui, de la coulisse à l'archet, a pratiqué parallèlement deux instruments avant d'être propulsé sur le devant de la scène par ses succès au trombone. Au même programme, puisque Kaija Saariaho était sous les feux de l'actualité lyonnaise, figurait Notes on light, dont l'Orchestre de Paris avait accueilli la création française avec Anssi Kartunen violoncelle sous la direction de Christoph Eschenbach. À Lyon, Anne Gastinel apportait une vibration, une palpitation de vie pleine d'intentions réactives à cette partition complexe où des états se meuvent à travers les prismes en perpétuelle transformation des masses orchestrales. ...et de Kaija Saariaho En ces journées de mars, l'Opéra de Lyon s'honorait d'accueillir une création vouée à un rayonnement international. Nos lecteurs découvriront, dans le n°566 mai/juin 2010 de L'éducation musicale, l'interview que nous a accordée Kaija Saariaho, où elle s'exprime sur ses choix esthétiques, et sur le processus qui l'a conduite à la composition d'Émilie. Kaija Saariaho ©DR Confrontée à un défi difficile comment écrire une musique d'aujourd'hui sur un sujet à l'implantation historique si affirmée ? Comment tenir un spectacle scénique sans action et avec une seule voix ?, elle a laissé libre cours à la sensibilité raffinée qui la conduit à ciseler avec une spontanéité pleine d'humanité l'expression chantée dans chacune de ses pièces vocales. Autour de cette voix, qui bénéficie d'une véritable incarnation d'actrice grâce à Karita Mattila laquelle surmonte mieux la diction de notre langue que bien des cantatrices françaises !, l'ensemble instrumental relativement restreint travaille également dans la ciselure, ce que la direction tout en finesse de Kazushi Ono accentue. Mais s'immisce alors une question le théâtre lyrique appelle-t-il justement la ciselure ? Ne devons-nous pas nous résoudre au fait qu'il a souvent procédé par grandes fresques, par éclats de rouge vermillon, voire de rouge sang et notre allusion ne sous-entend pas le seul vérisme, même si Kazushi Ono a récemment dirigé une magnifique Manon Lescaut en ce même Opéra de Lyon ? Les subtilités d'écriture déployées par la compositrice – harmonies micro-tonales, modes de jeu changeants, souple mobilité rythmique – sont-elles pleinement décelables par un public qui, au théâtre, est avant tout récepteur » d'états émotionnels. Ne relèvent-elles pas plutôt d'une belle pièce de concert ? Que l'on nous permette une remarque peut-être une utilisation plus audacieuse de l'électronique que l'oreille capte surtout lorsqu'elle dédouble la voix de la protagoniste et la mêle par transformations à celles des hommes interagissant avec les souvenirs évoqués aurait-elle favorisé un décrochage plus onirique par rapport à l'implantation historique. Le clavecin veut apporter une connotation d'époque », microphoniquement amplifiée, et combine ses crêtes sonores aux touches de percussion, donnant une lumière fort séduisante à l'orchestration, puisque de lumière il est question dans le travail scientifique d'Émilie du Châtelet... comme dans les prédilections de Kaija Saariaho que les éclairages de David Finn rencontrent avantageusement en colorant le très beau dispositif scénique évocateur d'astronomie, conçu par François Séguin pour la mise en scène du cinéaste François Girard. La relecture du livret d'Amin Maalouf, après le spectacle, nous met sous les yeux d'émouvantes notations féminines, que l'on aime à reparcourir, mais ses phrases n'ont aucune coupe » lyrique et sont dépourvues de cette qualité de poésie mélique » expérimentée par Louis Gallet pour Massenet dans Thaïs. La question d'une identité moderne pour la librettistique reste à résoudre... Félicitons enfin l'équipe de l'Opéra de Lyon pour la riche matière fournie dans l'excellent livret offert aux spectateurs. Sylviane Falcinelli. Falstaff au Théâtre des Champs-Élysées. Comedia lirica en trois actes 1893 de Giuseppe Verdi 1813-1901, sur un livret de Arrigo Boito d’après The Merry Wives of Windsor et Henry IV de William Shakespeare. Orchestre national de France, Chœur du Théâtre des Champs-Élysées, dir. Daniele Gatti. Mario Martone mise en scène. Anthony Michaels-Moore Falstaff, Jean-François Lapointe Ford, Paolo Fanale Fenton, Raul Giménez Cajus, Anna Caterina Antonacci Alice Ford, Chen Reiss Nanetta, Marie-Nicole Lemieux Mrs Quickly, Caitlin Hulcup Meg Page. ©Alvaro Yanez Les opéras se suivent et ne se ressemblent pas au Théâtre des Champs-Élysées, mais la joie persiste. Après la joyeuse Cenerentola de Rossini tout dernièrement, voici à présent, pour quatre représentations exceptionnelles, le retour du jubilatoire Falstaff, donné, en ces lieux, en 2008, dans la même production avec toutefois une distribution sensiblement différente, à commencer par le rôle-titre, tenu aujourd’hui par Anthony Michaels-Moore, remplaçant avec bonheur Alessandro Corbelli. Dernier opéra de Verdi, composé à quatre-vingts ans, sur un livret comique, créé le 9 février 1893 à La Scala de Milan, qui sonne comme un clin d’œil du vieux Maestro, mais aussi comme une interrogation sur le sens de la vie et le temps qui passe. ©Alvaro Yanez Cette reprise, comme la production initiale de 2008, est une indiscutable réussite musicale et théâtrale avec une remarquable homogénéité dans la qualité des voix, qui n’a d’égal que la qualité du jeu des acteurs Anthony Michaels-Moore campe un Falstaff drôle et plein d’une tendresse qui le fait échapper à la caricature, Anna-Caterina Antonacci est une Alice pétillante, Marie-Nicole Lemieux irrésistible de drôlerie, Jean-François Lapointe élégant, Chen Reiss admirable dans la reine des fées avec sa voix limpide et éthérée, et dans son duo avec Paolo Fanale, au très beau timbre bien qu’un peu limité en puissance. La mise en scène de Mario Martone, qui transpose l’action au XIXe siècle, ce qui lui confère un surplus de modernité, fonctionne parfaitement en maintenant le rythme de l’intrigue où l’action progresse à grandes enjambées avec un jeu d’acteur précis et foisonnant dans une scénographie assez réussie esthétiquement. En revanche, la direction musicale de Daniele Gatti, fut plus contestable, semblant plate et sans allant, alors qu’on l’aurait souhaitée pétillante et enjouée. ©Alvaro Yanez Une reprise ratée de Don Carlo à l’Opéra Bastille. Don Carlo de Giuseppe Verdi. Opéra en quatre actes version de 1884, sur un livret de Joseph Méry & Camille du Locle, d’après le drame de Schiller. Chœur & Orchestre de l’Opéra de Paris, dir. Carlo Rizzi. Mise en scène Graham Vick. Giacomo Prestia Filippo II, Stefano Secco Don Carlo, Ludovic Tézier Rodrigo, Victor Von Halem Il Grande Inquisitore, Sondra Radvanovsky Elisabetta, Luciana d’Intino La Principessa d’Eboli. ©OnP/Frédérique Toulet Nouvelle reprise de Don Carlo, à Bastille, dans la mise en scène de Graham Vick, et sans doute une fois de trop, tant nous avons été déçus par cette dernière prestation, surtout du fait de la direction musicale de Carlo Rizzi, particulièrement lourde, menaçant à tout instant de couvrir les voix, obligeant les chanteurs à des numéros de force, à la limite de la justesse, notamment dans le célèbre duo de l’amitié du premier acte. Le reste était à l’avenant une Princesse Eboli Luciana d’Intino à la voix ample et puissante qui manquait singulièrement d’ allegria » dans sa chanson sarrasine ; seule Sondra Radvanosky parvenait à faire entendre sa magnifique voix, lumineuse, parfaitement adaptée au rôle. Il fallut attendre le quatrième acte - peut-être du fait de la fatigue de Carlo Rizzi - pour retrouver toute la beauté de cet opéra avec le grand air de Philippe II et le duo avec le Grand Inquisiteur Giacomo Prestia, émouvant, Victor Von Halem terrifiant avec son timbre semblant venu d’un autre monde. Stefano Secco semblait mal à l’aise vocalement avec des aigus agressifs, Ludovic Tézier, fidèle à lui-même, chantait mieux qu’il ne joue... seul ; le dernier duo précédant la mort de Rodrigo apportait une réelle émotion. La mise en scène, également, semble passer de plus en plus difficilement l’épreuve des différentes reprises, avec une scénographie assez minimaliste pour l’essentiel et un sous-éclairage évident. Bref, un constat pour le moins mitigé… ©OnP/Frédérique Toulet Festival Voix du printemps » à la Sorbonne. Vaugham WILLIAMS A Sea Symphony. Chœur & Orchestre de Paris-Sorbonne, dir. Johan Farjot. Chef de chœur Denis Rouger. Avec Nathalie Manfrino, soprano [notre photo] et Alain Buet, baryton. Le Grand Amphithéâtre de la Sorbonne était comble et le public très attentif lors du concert inaugural du festival Voix du printemps », consacré à la très belle œuvre - monumentale et trop rarement jouée - de Vaugham Williams, la Sea Symphony, composée en 1901, en hommage aux marins et à la mer, en quatre mouvements, pour chœur, grand orchestre et solistes. Une interprétation vivante, expressive, engagée, laissait percevoir tout le plaisir de jouer de ce jeune orchestre semi-professionnel. Une mention toute particulière pour les magnifiques chœurs, très présents dans cette œuvre. Un festival à suivre… ©DR Il Viaggio a Reims au Théâtre Mariinski de Saint-Pétersbourg. Dramma giocoso en un acte de Gioacchino Rossini, sur un livret de Luigi Balocchi. Chanteurs & Orchestre du Théâtre Mariinski, dir. Mikhail Tatarnikov. Mise en scène Alain Maratrat. Irma Gigolaty Corinna, Elena Tsvetkova Marchesa Melibea, Olga Pudova Contessa di Folleville, Anastasia Kalagina Madama Cortese, Andrei Ilyushnikov Belfiore, Daniil Shtoda Libenskof, Vadim Kravets Lord Sidney, Nicolai Kamensky Don Profondo, Vladislav Uspensky Trombonok, Viktor Korotich Don Alvaro, Alexei Tanovitski Don Prudencio, Dmitri Koleushko Don Luigino, Elena Sommer Maddalena, Olga Legkova Modestina, Timur Abdikeyev Antonio. ©Marie-Noëlle Robert/Théâtre du Châtelet Créée au Théâtre Italien, le 19 juin 1825, cette cantate scénique de Rossini restera la seule œuvre du compositeur destinée à cette scène, composée à l’occasion du couronnement de Charles X à Reims. Avec cet ouvrage, Rossini inaugure un genre lyrique peu fréquent, l’opéra-cabaret, fait d’une succession de sketches individuels ou collectifs, réunis autour d’un livret réduit à sa plus simple expression. Le genre lyrique prend ici toute sa liberté, où seuls comptent la musique, le chant et le jeu. Les nécessités conjointes, de réunir quatorze solistes pour cette partition vocalement très exigeante, et de maintenir une cohésion tout au long du spectacle, expliquent que cette composition de Rossini soit peu souvent représenté. ©Marie-Noëlle Robert/Théâtre du Châtelet La reprise de la coproduction du Châtelet/Mariinski 2004 dans la mise en scène d’Alain Maratrat réussit à éviter ces deux écueils, en puisant, d’une part, dans le formidable réservoir de chanteurs que constitue la troupe du théâtre Mariinski et, d’autre part, en maintenant en permanence l’attention du spectateur par une mise en scène intelligente, interactive, faisant participer musiciens, chef et public, utilisant la totalité de l’espace avec une scénographie réduite. La qualité vocale est homogène et l’orchestre s’intègre parfaitement dans cette ambiance rossinienne joyeuse et débridée. Une production à revoir avec plaisir. ©Marie-Noëlle Robert/Théâtre du Châtelet Nikolaï RIMSKI-KORSAKOV La légende de la cité invisible de Kitège et de la vierge Févronia. Théâtre du Bolchoï de Moscou. Opéra en quatre actes sur un livret de Vladimir Bielski. Chœur et Orchestre du Théâtre du Bolchoï, dir. Mikhail Granovsky. Mise en scène Eimuntas Nekrosius. Petr Mugunov Prince Youri, Vitaliy Panfilov Prince Vsevolod, Tatiana Monogarova Févronia, Vitaliy Tarashcenko Grichka, Andrey Grigoriev Fyodor, Oksana Volkova le Page. Reprise au Théâtre du Bolchoï » de Moscou le Bolchoï historique étant en rénovation depuis plusieurs années, de la coproduction russo-canadienne de 2008, une occasion de voir et d’entendre cet opéra peu connu de Rimski-Korsakov créé au Théâtre Mariinski de Saint-Pétersbourg, le 20 février 1907. S’inspirant de deux légendes du XIIIe siècle, toutes deux liées au joug tatar, essayant de réaliser la synthèse de la mythologie slave préchrétienne et de la foi orthodoxe, le livret présente un curieux mélange mystico religieux, bien rendu par la mise en scène avec un décor réaliste et naïf peuplé d’images symboliques comme les oiseaux prophètes et les cloches. La musique, d’une beauté certaine, témoigne des différentes influences du compositeur parmi lesquelles l’auditeur reconnaîtra facilement des accents wagnériens ou moussorgskiens. L’interprétation orchestrale et vocale ne souffre aucune critique, avec une mention spéciale pour Petr Mugunov dont le lamento pour basse est un des grands moments de l’ouvrage. Une œuvre qui mérite assurément d’être écoutée, et, pour ceux qui ne pourront se rendre à Moscou, signalons la très bonne version de Valery Gergiev enregistrée en 1994 Philips 462 avec la troupe du Kirov aujourd’hui, Théâtre Mariinski. Richard WAGNER L’Or du Rhin. Prologue en quatre scènes à L’Anneau du Nibelung 1869. Orchestre de l’Opéra national de Paris, dir. Philippe Jordan. Mise en scène Günter Krämer. Falk Struckmann Wotan, Samuel Youn Donner, Marcel Reijans Froh, Kim Begley Loge, Peter Sidhom Alberich, Wolfgang Ablinger-Sperrhacke Mime, Iain Paterson Fasolt, Günther Groissböck Fafner, Sophie Koch Fricka, Ann Petersen Freia, Qiu Lin Zhang Erda, Caroline Stein Woglinde, Daniela Sindram Wellgunde, Nicole Piccolomini Flosshilde. ©OnP/Elisa Haberer Des dieux bodybuildés », des géants organisés en commando révolutionnaire, des filles du Rhin vêtues en danseuse de cabaret, des nains transformés en forçats de la mine, une mise en scène originale à grand spectacle, empruntant à la bande dessinée, comportant de nombreux clins d’œil à des productions antérieures lyriques ou cinématographiques, avec toutefois un arrière-fond politique marqué et une division affirmée entre des dieux oisifs et le monde du travail, nains et géants. Une direction d’acteur dynamique et efficace occupant tout l’espace scénique, une belle et grandiose scénographie. Une direction musicale de Philippe Jordan élégante, précise mais un peu froide. Une distribution vocale homogène, de laquelle on retiendra tout particulièrement les prestations de Sophie Koch, majestueuse, de Qiu Lin Zhang, à la voix d’une profondeur abyssale, ainsi qu’un excellent Kim Begley, tantôt clownesque, tantôt prophétique, campant un Loge ambigu et lucide. Un avis plus réservé concernant le Wotan de Falk Struckmann qui manque singulièrement de charisme et de présence vocale. Un bilan globalement positif » pour ce premier épisode du Ring, de retour à l’Opéra de Paris. Affaire à suivre… ©OnP/Charles Duprat Rachmaninov et Tchaïkovski, Salle Pleyel. Orchestre philharmonique de Radio France, dir. Myung-Whun Chung. Nicholas Angelich, piano. Dans le cadre de l’année France-Russie 2010, la Salle Pleyel présentait Nicholas Angelich et Myung-Whun Chung, à la tête de son orchestre, dans une superbe programmation associant le Troisième Concerto pour piano de Serge Rachmaninov 1873-1943 et la Quatrième Symphonie de Tchaïkovski 1840-1893. Une interprétation tout en retenue, intériorisée et élégante de Nicholas Angelich du périlleux Concerto n°3, créé en 1909, à New York, par le compositeur, sous la direction de Walter Damrosch, où virtuosité et mélodie s’entrelacent pour exprimer toute la nostalgie, la mélancolie et le lyrisme, chers au compositeur, dans une lutte, parfois furieuse, entre le piano et l’orchestre, parfaitement dirigé par le chef coréen, totalement à l’écoute. Venait ensuite la 4e Symphonie de Tchaïkovski, composée en 1877, créée à Moscou le 10 février 1878 sous la baguette de Nicolaï Rubinstein, dédiée à Nadejda von Meck, véritable symphonie à programme, hantée par la présence du destin, revenant de façon cyclique pour empêcher toute aspiration au bonheur. Myung-Whun Chung en donna une interprétation engagée, alternant tension extrême et limpide douceur grâce à la remarquable réactivité de l’orchestre et à l’évidente complicité des musiciens. À signaler une partie de cordes en pizzicatos d’anthologie dans le fantomatique scherzo du 3e mouvement. Un moment de musique, d’une rare intensité, qui restera dans les mémoires du public et des musiciens ! ©Jean-François Leclerc ©Stéphane de Bourgies Patrice Imbaud. Attention grand chef ! Le Sacre du printemps d’Igor Stravinski, œuvre phare du XXe siècle, n’est pourtant pas la pièce symphonique la plus fréquemment jouée sur les scènes, encore moins par un orchestre d’opéra. Son effectif gigantesque contribuant sans doute à réfréner les enthousiasmes. Et pourtant, en cette matinée gelée du 7 mars 2010, l’orchestre de l’Opéra de Stuttgart, dirigé par un Manfred Honeck plus qu’inspiré, offrit aux presque deux mille spectateurs réunis à la Liederhalle un Sacre à couper le souffle ! Pas une minute d’ennui, un tempo intérieur en perpétuel mouvement, des plans sonores aux contrastes évidents, une souplesse dans le phrasé où l’on devine rapidement que le Sacre est avant tout un ballet, une rythmique impeccable Manfred Honeck [notre photo] respire chacune de ses phrases où toute ponctuation devient tremplin d’un discours musical exaltant. Dès les premières notes de l’œuvre, qui porta au scandale en 1913, le fameux solo du basson - lyrique, improvisé, libre - avait présagé du meilleur un Sacre passionnant sous la baguette d’un grand chef. ©DR Manfred Honeck, d’origine autrichienne, fut de 2006 à 2008 le chef de la Radio de Stockholm. Depuis 2007, il dirige celui de l’Opéra de Stuttgart et est 1er chef invité de la Philharmonie tchèque. Espérons l’entendre prochainement en France ! Programme ce 7 mars 2010 - John Adams Short Ride in a Fast Machine / Jean Sibelius Concerto pour violon soliste Henning Kraggerud / Igor Stravinski Le Sacre du printemps. Sylvie Clopet. Journée des femmes 2010 à la Sorbonne La Journée des Femmes a été célébrée, le 12 mars dernier, par un concert donné au Grand Amphithéâtre de la Sorbonne pour honorer plusieurs compositrices. Organisé grâce à un partenariat entre le rectorat, le lycée Racine et l’Association Femmes & Musique, il a donné l’occasion d’entendre le quintette Kazé jeunes instrumentistes à vent des CNSM et CNR et les deux ensembles Orchestre et Chœurs de ce lycée à options musicales, animés par l’investissement majeur des professeurs Dominique Blazy et Christiane Anselme. Le programme allait de Fanny Mendelssohn à des créatrices contemporaines – mettant notamment en valeur Elsa Barraine 1910-1999 [notre photo], à l’occasion de son centenaire que l’AFM célèbre cette année par des concerts et la publication d’un ouvrage. Deux œuvres de cette compositrice, Atmosphère et le quintette Ouvrage de dames, diverses dans leurs intentions mais exigeant une même rigueur, ont été servies par l’adresse des instrumentistes. Ils ont mis aussi une implication ardente à présenter Cantilène et danse rituelle de notre amie Annick Chartreux, une précise diction dans Cuckoo de Sylvie Unger et leur juvénile dynamisme, bien modelé par Dominique Blazy, a traduit les remous qui innervent Moments de Graciane Finzi. Peut-on espérer qu’il soit tenu compte, après un tel concert, de l’enthousiasme du public, convaincu par le don heureux des jeunes et la valeur de leur cadeau ? ©DR Édith Allouard. *** Haut Reprise des Contes d'Hoffmann à l'Opéra Bastille Une des pièces majeures du répertoire de l'opéra français nous vient d'un compositeur qui écrivit beaucoup pour le genre léger. Et pourtant Jacques Offenbach n'a-t-il pas trouvé le ton juste pour illustrer ces histoires fantastiques, empruntées à la poétique germanique. La veine mélodique paraît inépuisable. La mise en scène fort imaginative de Robert Carsen trouve le ciment fondamental qui unit ces trois contes étranges en une seule et même entité, au royaume de l'opéra précisément, son théâtre, ses coulisses. Hoffmann n'est-il pas épris d'une chanteuse, Stella, qui s'incarnera en trois visages successifs Olympia, Antonia, Giulietta ? Une belle distribution devrait assurer le succès de cette reprise d'un vrai spectacle de répertoire. Les 7, 12, 17, 20, 26 et 29 mai, 1er et 3 juin, à 19h30 ; les 9 et 23 mai, à 14h30. Renseignements 120, rue de Lyon, 75012 Paris. Tél. 0892 89 90 90. Une création à l'Opéra Comique Les Boulingrin Pour sa première commande, l'Opéra Comique s'est tourné vers le compositeur Georges Aperghis. Son nouvel opus lyrique sera bouffe, puisque d'après la pièce de Courteline, Les Boulingrin, créée en 1898. Une histoire de famille qui vire à la démesure paroxystique pour se débarrasser d'un pique-assiette espérant couler des jours heureux chez lui, un couple qui ne se supporte plus, fait rejaillir sur l'intrus critiques et insultes ; bon moyen de faire fuir l'escornifleur. La mise en scène, due au maître de céans, Jérôme Deschamps, dans des décors évolutifs de Laurent Peduzzi, se promet d'être acerbe et hilarante en diable. Dans la fosse, le Klangforum de Wien, dirigé par Jean Deroyer, saura défendre la musique, assurément suggestive, de l'auteur d’Avis de Tempête. Les 12, 14, 18 et 20 mai, à 20h ; le 16 mai, à 15h. Renseignements 1, place Boieldieu, 75002 Paris. Tél. 0825 01 01 23. La trilogie Pouchkine-Tchaïkovski revient à l'affiche lyonnaise. Une des originalités de la programmation de l'actuelle direction de l'Opéra de Lyon réside dans ses séries festivals. Celle consacrée aux trois opéras composés par Tchaïkovski sur des pièces de Pouchkine - fait unique dans l'histoire du théâtre lyrique - est une belle réussite. Les opéras sont en effet confiés à une seule et même équipe artistique le metteur en scène Peter Stein et le chef d'orchestre Kirill Petrenko. Eugene Oneguine ©Stofleth Le premier illustre ces pièces au fort potentiel dramatique sans forcer le trait ou transposer. Non plus qu'il ne cherche à éluder leur composante conventionnelle. Il la magnifie au contraire avec une grande économie de moyens, restituant la juste atmosphère poétique qui séduisit tant le musicien. Le second joue le texte musical au plus près des intentions de son auteur et avec un sens aigu de la restitution des climats. La distribution, essentiellement russe, est des plus prometteuses. À ne pas manquer, Mazeppa en particulier, le moins connu de la trilogie, mais non le moins intéressant. Mazeppa ©Michel Cavalca Eugène Onéguine les 30 avril, 7, 11, 14 et 19 mai, à 19h30. Mazeppa les 29 avril, 6, 13 et 18 mai, à 19h30 La Dame de Pique les 2, 9 et 16 mai à 16h ; 4 et 21 mai, à 19h30 Renseignements 1, place de la Comédie, 699001 Lyon. Tél. 0 826 305 325. La Calisto au Théâtre des Champs-Élysées Le vénitien Francesco Cavalli 1602-1676 n'a sans doute pas acquis la célébrité de Monteverdi. Et pourtant il fut un des compositeurs les plus appréciés de son temps. Parmi une importante production opératique, La Calisto occupe une place de choix. Inspiré des Métamorphoses d'Ovide, ce dramma per musica narre l’une des frasques amoureuses de l'infatigable Jupiter qui, cette fois, se fait passer pour une femme afin de mieux approcher celle qu'il convoite récitatifs et arias sont accompagnés par le continuo, l'effectif orchestral complet n'intervenant que pour les ritournelles. La nouvelle production du Théâtre des Champs-Élysées se distingue par la direction de Christophe Rousset à la tête de son Orchestre des Talens lyriques et la mise en scène de Macha Makeieff. Un plateau vocal de qualité, avec Sophie Karthäuser, dans le rôle-titre, et Véronique Gens, en Junon, devrait ravir les puristes et tous les autres. Les 5, 7, 11 et 14 mai à 19h30 ; le 9 mai à 17h. Renseignements 15, avenue Montaigne, 75008 Paris. Tél. 01 49 52 50 50. Un événement Don Quichotte à la Monnaie de Bruxelles Parmi les œuvres lyriques de Jules Massenet, il en est une qui occupe une place particulière la comédie-héroïque » Don Quichotte est le type même de l'opéra épique. S'emparant de l'histoire du Chevalier à la longue figure imaginée par Cervantès, errant avec son fidèle écuyer Sancho Panza, le compositeur de Werther peint avec tendresse l'utopie d'un anti-héros, alliant, dans un savant éclectisme, espagnolade débridée et style arioso français. Alternent épisodes mélancoliques et truculents. Cette nouvelle production, dirigée par Marc Minkowski, marquera les adieux à la scène bruxelloise de l'enfant du pays José van Dam, dans le rôle-titre, après une mirifique carrière de quelque 50 années. Elle sera aussi l'occasion des débuts à La Monnaie du metteur en scène iconoclaste Laurent Pelly qui, à n'en pas douter, saura livrer de cette fable chevaleresque la quintessence, comme en révéler les sous-entendus. Les 4, 5, 6, 7, 8, 11, 12, 14, 18 et 19 mai, à 20h ; les 9 et 16 mai, à 15h. À noter que José van Dam assurera les représentations des 4, 6, 8, 11, 14, 16 et 18 mai, et Vincent Le Texier, les autres. Maquette de costume, par Laurent Pelly Renseignements 4, rue Léopold, 1000 Bruxelles. Tél. 00 32 70 23 39 39. Jean-Pierre Robert. Exposition Chopin La Note bleue », au Musée de la Vie romantique En cette année anniversaire, le Musée de la Vie romantique évoque les années parisiennes de Frédéric Chopin 1831-1849. Elles ne pouvaient trouver meilleur havre que ce magnifique hôtel Scheffer-Renan où le compositeur aimait à se rendre pour rencontrer le tout-Paris intellectuel et artistique atmosphère choisie qu'appréciaient sans doute les membres de la confrérie des romantiques » où se côtoyaient musiciens, peintres et écrivains. L'exposition réunit quelque 90 œuvres, peintures, sculptures, dessins, éléments décoratifs, dont beaucoup proviennent de musées français et étrangers. Elle focalise sur l'indissociable correspondance existant entre peinture et musique, cette note bleue » évoquée par George Sand dans Impressions et souvenirs ou soulignée par Delacroix qui rappelle combien sons et tons peuvent être complémentaires. Ne parle-t-on pas, à propos de cette indéfinissable alchimie, de reflets auditifs » ? Frédéric Chopin, par Delacroix ©DR Chopin arrive à Paris, fin octobre 1831. Il a 31 ans. Il s'insère vite dans les cercles mondains où l'on joue de la musique, ces salons qu'il préfère aux salles de concert. On l'imagine à travers ces magnifiques portraits, celui peint par l'ami Delacroix bien sûr - accompagné ici de l'ébauche que le peintre en a laissé - mais aussi celui, moins connu, du portraitiste belge Louis Gallait, où l'on admire combien l'homme cultivait l'apparence dandy. C'est une place de choix qu'il tient ici au milieu de ses collègues comme Berlioz et Rossini dont l'ombre plane sur la vie artistique d'alors. Comme eux, Chopin se passionne pour l'opéra et s'abreuve aux sinueuses cantilènes belcantistes prodiguées par les divas adulées, la Pasta, la Malibran, Pauline Viardot - dont on admire une superbe toile peinte en 1840 par Ary Scheffer. Paris vit alors un vrai bouillonnement intellectuel, et fait figure de capitale européenne du romantisme musical. La Malibran, par Fr. Bouchot ©DR Comment ne pas être ému aussi devant ces objets si chargés de mémoire le magnifique piano Pleyel que Chopin joua en 1843, ou encore le moulage de sa main, si fragile. La sonorité de son jeu était, dit-on, douce et confidentielle. Aussi captait-elle l'auditoire. Main de Chopin par Auguste Clésinger ©DR Musée de la Vie romantique / Hôtel Scheffer-Renan – 16, rue Chaptal, Paris IXe. Tél. 01 55 31 95 67. Jusqu'au 11 juillet 2010 tous les jours, sauf lundi et jours fériés. Livre-catalogue 30 €. [Il est également intéressant de consulter le site de la Bibliothèque polonaise de Paris 6, quai d'Orléans, Île Saint-Louis laquelle organise nombre de manifestations commémoratives Jean-Pierre Robert. Ces deux nouveaux enregistrements de Maximianno Cobra sont l’occasion de mieux faire connaître à nos lecteurs un musicien atypique, au talent incontestable. Pianiste, chef d’orchestre et compositeur, Maximianno Cobra est né à Rio de Janeiro en 1969 et débute ses études musicales par le piano à l’âge de cinq ans, puis, à treize ans, il s’engage sur la voie de l’harmonie et de l’analyse. À quinze ans, son chemin croise celui du chef d’orchestre, ami de Villa-Lobos, Alceo Bocchino qui le forme dans les domaines de la direction d’orchestre, de la fugue, du contrepoint et de la composition. Le jeune musicien devient ensuite son assistant et l’accompagne durant trois années auprès d’orchestres et d’opéras brésiliens. Au cours de son adolescence, Maximianno Cobra fréquente des master-classes de théâtre et de philosophie, disciplines qu’il considère comme sa deuxième nature ». Philosophiquement et politiquement, il est marqué par les lectures de Spinoza, Nietzsche, Deleuze et Shakespeare, lequel a provoqué chez lui un renversement existentiel ». En 1989, il débute avec l’Orchestre Philharmonique du Brésil puis, l’année suivante, arrive en Europe en tant qu’élève invité de l’Académie de Vienne. C’est en 1992 que ses premiers engagements européens le conduisent à diriger l’Orchestre Lamoureux à la Salle Pleyel. En 1993, il collabore avec l’Opéra de l’État hongrois et le Philharmonique de Budapest. Á partir de 1999, il réalise une vingtaine d’enregistrements audios et vidéos pour le label Hodie. La même année, il soutient à la Sorbonne sa thèse les Symphonies de Ludwig van Beethoven une étude analytique, critique et historique, en vue d’une nouvelle édition » sous la direction du Professeur Serge Gut. Son travail a fait l’objet de plusieurs rapports dans des revues de musicologie. Son parcours musicologique l’a conduit à diriger le Centre d’Études beethovéniennes de France. Sur l’invitation de Philippe A. Autexier, il devient directeur de recherches du Centre Mozart. Il a été nommé responsable du Comité scientifique du groupe de recherches Les Neuf Sœurs » dont le projet est la sauvegarde et la publication d’œuvres artistiques en rapport avec les mouvements philosophiques et humanistes. Résidant en France depuis 1993, il se consacre à la composition et, en tant que chef d’orchestre, à la diffusion de la théorie Tempus. En outre, il a écrit des scénarios et adaptations pour le théâtre et le cinéma ainsi que des essais philosophiques et politiques. Pour sa symphonie Ordo ab Chao », Maximianno Cobra utilise un procédé conçu par Hodie pour la Tempus Collection », faisant appel à un échantillonnage 100% acoustique. Les samples sont joués par des musiciens de haut niveau sur instruments exceptionnels Stradivarius, Steinway, etc.. Comme le souligne le compositeur tout enregistrement musical, quel que soit son procédé, n’est qu’une image figée d’un art vivant, un témoignage documentaire élémentaire. L’accomplissement de cet art, aussi bien dans le sens esthétique que dans celui du vécu individuel, ne peut s’accomplir que lors d’un concert ». Cette symphonie, dont les premières esquisses datent de 1987, a fait l’objet de deux régénérations » et contient de nombreuses références symboliques. Son titre est la devise du Rite Écossais Ancien et Accepté, rite pratiqué par plusieurs obédiences maçonniques. Il s’agit en fait de la conceptualisation du principe réunir ce qui épars en nous et entre nous », trouver notre Centre. Le contenu musical, précise Maximianno Cobra, est ouvertement syncrétique, fondé sur cinq cents ans de musique occidentale, mais également inspiré par l’idéal esthétique de beauté classique grecque et romaine, telle l’analyse du mythe de l’éternel retour nietzschéen et les pulsions ré-évolutionnaires de la construction humaine. Ma devise pour ma quête personnelle de langage et de style est, à ce jour Tradition, Transmission, Transition ». La symphonie Ordo ab Chao » est une œuvre forte aux multiples références. Les impressions d’un apprenti maçon » après son initiation ? Peut-être… mais la musique va beaucoup plus loin. Elle envoûte, investit l’imaginaire par la puissance de son pouvoir évocateur. La Sonate Initiatiques » est sous-titrée In memoriam Frère Franz Liszt ». Cette dédicace correspond à l’abandon par Maximianno Cobra de sa carrière de pianiste en référence à la Sonate en si mineur de Liszt, véritable monument pianistique de quarante-six minutes dans lequel les thèmes sont caractérisés comme des personnages. Œuvre cyclique écrite en un seul mouvement, cette sonate est unique dans la littérature romantique par son originalité, son inspiration et ses audaces de construction. La Sonate de Liszt a été déterminante pour la genèse de la Sonate Initiatiques », mais ce sont aussi les aspects humain » et frère maçon » de Liszt qui transparaissent dans la musique. Initiatiques » est au pluriel car plusieurs voies sont possibles pour le futur initié. Dans cette pièce riche de symbolisme, émerge un sentiment d’intimité témoignant du caractère intransmissible du secret initiatique. Ici encore, l’auditeur est conquis. Par le jeu du pianiste, certes, mais également par l’ampleur du langage musical et l’énergie qui s’en dégage. Ces deux enregistrements sont le témoignage d’une vie consacrée à l’humanisme et à la recherche intérieure. Incontestablement une réussite. _______________ Franz LISZT Sonate h-moll. Maximianno COBRA Sonate Initiatiques ». Maximianno Cobra piano – Tempus Collection » Masonic Collection – - TT 58’50. Maximianno COBRA Symphony Ordo ab Chao ». Vienna Symphonic Library, Europa Philharmonia Members, ASRP 192 kHz / 24 bit – Tempus Collection » Masonic Collection – - TT 53’13. _____________ Sites Gérard Moindrot *** PIANO Nicolas OBOUHOW Œuvres pour piano. Lemoine HL 28541. Les éditions Lemoine nous font redécouvrir ce compositeur, trop peu connu, qui vécut de 1892 à 1954. On lira avec beaucoup d’intérêt la préface de Jean-Michel Bardez qui édite le recueil. Des fac-similés des manuscrits permettent de mieux comprendre l’écriture de ce musicien. Un disque de ces pièces a été réalisé pour le label Sisyphe par Jay Gottlieb. Ce CD est disponible chez Abeille Musique. Deux partitions d’orchestre de ce compositeur sont également disponibles aux éditions Lemoine. Pari BARKESHLI, Annick CHARTREUX, Bernard DÉSORMIÉRES, Valérie GUÉRIN-DESCOUTURELLES, Krishna LÉVY, Marc MARDER, Alireza MASHAYEKHI, Philippe RÉGANA & Manuel ROCHEMAN AlphaStyles - 23 pièces contemporaines pour piano seul. Van de Velde VV289. Ces vingt-trois pièces originales, composées tout spécialement pour ce recueil, sont en général pour un niveau de 2nd cycle. Chaque compositeur fait l’objet d’une petite notice qui permettra à l’exécutant de mieux comprendre l’univers propre à chaque œuvre. Un recueil important pour ouvrir les élèves à la musique de leur temps, tout en se faisant plaisir. Patrick MANCONE Pièces bucoliques pour piano. Combre C06643. S’adressant à une troisième année de second cycle, ces trois courtes pièces aux titres évocateurs Les éphémères, Digitales, Essaimage invitent leurs interprètes à faire preuve d’autant de virtuosité que de sens musical et poétique. Christine MARTY-LEJON Océanides Mystères et fascinations de la vie océanique, pièce pour piano. Lafitan 1981. De niveau cycle 2, cette pièce fort agréable est assortie d’un commentaire de l’auteur qui fournit les clés de l’interprétation. David NEYROLLES Parme. Pièce pour piano solo. Niveau élémentaire. Lafitan 1934. Cette pièce fait partie d’une série du même auteur intitulée Les couleurs du temps. Ce parme » mélancolique autant que mélodieux est de la meilleure venue. Julien PONDÉ Ballade de nuit pour piano. Débutant. Lafitan 2114. Vraiment écrite pour débutant, cette pièce n’en a pas moins de charme. C’est si difficile d’écrire beau et simple… Pari réussi ! VIOLON Dans la collection Bärenreiter’s Easy concertos », éditée par Kurt Sassmannshaus, voici trois œuvres que tout jeune violoniste a jouées ou jouera. Chaque recueil contient la partie de violon et la réduction pour piano de l’accompagnement. On notera tout particulièrement la qualité de ces réductions. Friedrich SEITZ Schülerkonzert n°2 en sol majeur Bärenreiter BA 8972. Œuvre de la fin du XIXe siècle, cette pièce comporte une préface donnant de judicieux conseils de travail et d’interprétation. Oskar RIEDING Concerto en si mineur Bärenreiter BA 8971. On ne présente pas cette œuvre, comportant la même judicieuse préface. Antonio VIVALDI Concerto en la mineur n°6. Bärenreiter BA 8974. Il ne s’agit certes pas d’une œuvre d’étude », mais on ne peut que se réjouir de la trouver dans cette collection réalisée avec tout le soin qu’on connaît chez cet éditeur. Doigtée et annotée, cette édition comporte également une préface fort utile pour l’interprétation. Claude-Henry JOUBERT Sérénade de chat, pour violon avec accompagnement de piano. Fin de 1er cycle. Lafitan 1977. Publiée dans la série Sérénade », cette pièce offre à la fois une écriture contemporaine avec des essais d’improvisation simple. Chaque morceau est écrit avec un accompagnement de piano très facile, écrit sur une portée. Les trois passages improvisés sont balisés par des consignes destinées à donner confiance à l’élève dans ses premiers pas dans l’invention. Christine MARTY-LEJON Berceuse russe, pour violon & piano. Cycle I. Lafitan 1983. Évoquant le folklore, cette berceuse prend, à certains instants, le caractère d’une danse joyeuse avant d’en revenir à son caractère premier. Très jolie pièce. VIOLONCELLE Guy PRINTEMPS Sonate pour violoncelle & piano. Combre C06646. Ce compositeur à la carrière éclectique nous offre ici une œuvre exigeante mais écrite dans l’esprit de toute son œuvre, qui met une forme aboutie au service de l’émotion. TROMPETTE Leonello CAPODAGLIO Concerto Angelico, pour trompette & piano. Anne Fuzeau Productions 8655. Ce concerto en trois courts mouvements d’un compositeur et homme de lettres italien, existe aussi en version avec orchestre. C’est une œuvre pleine de charme et de vie. CHANT Claude PASCAL Top-model et Cie. Trois mélodies pour soprano & piano. Combre C06641. Ces trois mélodies dans l’esprit de Chabrier brossent trois portraits à la fois comiques et tendres de La Flambeuse, Top-Model et La Diva. Qu’en dire, sinon qu’auditeurs comme interprètes devraient se régaler avec ces œuvres d’un toujours jeune compositeur. MUSIQUE DE CHAMBRE ET D’ENSEMBLE Máximo Diego PUJOL 3 Piezas marginales pour flûte & guitare. Lemoine 28650 Les trois pièces de ce compositeur argentin bien connu sont, comme à l’accoutumée, fort intéressantes. De plus, l’alliance flûte/guitare est particulièrement bien venue. Les duettistes y trouveront beaucoup de plaisir. Christine MARTY-LEJON Na voda sur l’eau, pour flûte traversière, hautbois & piano. Lemoine 28825 Il est bien agréable de trouver une aussi jolie pièce écrite pour un niveau de deuxième cycle. Cette petite valse au rythme de berceuse évoque bien cette eau qui est la vie », selon la citation de Saint-Exupéry placée en exergue. Claire VAZART Libertrio pour violon, violoncelle & piano. Delatour DLT 1627. Ce trio en deux mouvements, précédé d’un solo de violoncelle, n’est pas des plus faciles. mais d’une écriture très intéressante. L’Andante cantabile mérite son nom, de même d’ailleurs que le Vivo qui termine la pièce. Claire VAZART 2 Caractères pour ensemble à cordes débutant. Delatour DLT 1613. La première pièce, Oriental Est, est abordable dès le premier cycle. La deuxième, Nostalgia in New Orleans, s’adresse plutôt à un orchestre de fin de 1er cycle ou début de 2nd. Ces pièces bien toniques sont également souples d’utilisation écrites pour quatuor à cordes et contrebasse, la partie d’alto peut être jouée par des troisièmes violons et celle de contrebasse par de jeunes violoncellistes. OPÉRAS POUR ENFANTS Isabelle ABOULKER Marco Polo et la Princesse de Chine. Livret de Christian EYMERY. Partition piano-chant + CD. Delatour DLT 1806. On connait la verve musicale d’Isabelle Aboulker et ses réussites dans le domaine de l’opéra pour enfant. Celui-ci tient toutes ses promesses. Disponible en plusieurs versions de celle avec orchestre à celle pour chant et piano, cet opéra - de niveau facile à moyen - comporte quinze numéros de styles très variés et des intermèdes instrumentaux à utiliser selon les besoins de la mise en scène. Le CD est un instrument de travail qui comporte la partie de piano avec doublure de la partie chant, ce qui permet un apprentissage facile pour une bonne justesse. Daniel Blackstone. PIANO Michael OSTRZYGA Der singende Wind. 22 kleine Klavierszenen + 1CD. Breitkopf Pädagogik », Breitkopf EB 8659. 16 €. Classées par ordre de progressive difficulté, ces 22 miniatures accompagneront, pour un bon bout de temps, les apprentis pianistes, tout en les initiant au langage musical de notre temps. On y retrouve l’influence, en effet, aussi bien des musiques minimalistes que de la technique des douze sons, que de formes aléatoires incitant à l’improvisation… Chaque pièce est, en outre, assortie de conseils d’exécution, d’exercices complémentaires et de stimulantes questions tout cela, hélas ! en seul allemand…. Le CD comporte une interprétation de chaque morceau. Irmhild BEUTLER & Sylvia Corinna ROSIN Kraut & Rüben Sens dessus dessous ». Spielbuch 1 für die Sopran-Blockflöte. Breitkopf Pädagogik », Breitkopf EB 8815. 13,50 €. Plaisamment illustrées par Marlies Walkowiak, brèves et faciles, ces pièces pour flûte à bec soprano avec accompagnement ad libitum de piano, d’une seconde flûte, d’une percussion ou d’une guitare - chiffrages inclus ont été, bien sûr, sélectionnées dans une perspective pédagogique, mais n’en pourront pas moins être exécutées en concert chansons populaires ou enfantines, canons, musiques du monde…. D’utiles informations didactiques sont également fournies avec la partition de piano mais toujours en seul allemand…. VIOLON & GUITARE Éric PÉNICAUD Stable / Mouvants. Niveau 4. Les Productions d’Oz, éditeur spécialisé en musique pour guitare classique DZ 1371. Grand format, 10 p. Nouveau titre du très imaginatif guitariste Éric Pénicaud, où il allie, cette fois, son instrument au violon, dans une pièce certes difficile de niveau 4 mais qui, n’en doutons pas, permettra de fructueux échanges lors, notamment, des successives improvisations des instrumentistes. Francis Gérimont Armin KIRCHER éd. Chorbuch Kirchenjahr. A-cappella-Repertoire für den Gottesdienst für gemischten Chor. Stuttgart. Carus sales 2009, 176 recueil, très bien présenté, avec 158 pièces judicieusement réunies par A. Kircher et destinées au service religieux, a été publié pour la 50e Session de musique d’église tenue à Salzbourg. Cette anthologie pour chœur à 4 voix SATB a cappella reflète le répertoire de base chanté par catholiques et protestants en langue allemande, occasionnellement latin pour la liturgie ancienne et anglais pour les Spirituals. Elle regroupe des générations de musiciens ayant vécu depuis la fin du XVe siècle N. Decius, M. Luther, la Réforme J. Walter, M. Praetorius, puis H. Schütz, J. H. Schein, J. Crüger et les français Cl. Goudimel et P. Davantès… ensuite J. S. Bach, G. F. Haendel, puis F. Schubert, R. Schumann, M. Reger ; au XXe siècle, H. Distler 1908-1942…, jusqu’aux contemporains Michael Kokot °1960… Les chefs de chœur trouveront des chants variés pour les divers temps liturgiques, pour des thèmes de circonstance soir, baptême, mariage, louange, consolation. Ces chœurs sur des textes bibliques, des poésies de P. Gerhardt, D. Bonhöffer, de moyenne difficulté, accessibles à un ensemble vocal semi-professionnel, sont soit harmonisés à 4 ou 3 voix, en style homophonique et homosyllabique, soit en contrepoint avec entrées successives, quelques notes de passage expressives. Ce recueil destiné à la pratique cultuelle représente une synthèse chorale dans la longue durée, assurant la continuité liturgique et mélodique ; il sera très apprécié des chefs de chœur. Vissarion CHÉBALINE Trois Sonatines op. 12 pour piano. Paris. 20e siècle », Le Chant du monde jjouvanceau PN4652. 2009. 31 p. Trois Sonatines, op. 12, de Vissarion Chébaline 1902-1963, compositeur russe appartenant à la première génération de musiciens entièrement formés sous le régime soviétique. L’op. 12, n°1 présente quelques difficultés de lecture et comporte un mouvement Moderato e cantabile, une Canzona, une Fughetta. Le n°2, techniquement plus facile, comprend les formes Prélude, Aria, Marcia, Rondo Presto. Le n°3 Sinfonia, Burlesca de caractère chantant, Meditazione Largo et très expressif, Finale Allegro se termine fortissimo. La technique pianistique nécessite une solide indépendance des mains. Cl. Arrieu, G. Auric, S. Nigg, E. Barraine, D. Milhaud Sept Pièces pour piano. Paris. 20e siècle », Le Chant du monde jjouvanceau PN4653. 2010. 19 p. Claude Arrieu Sarabande, en style harmonique avec une partie médiane plus expressive planant sur des accords à la main gauche. Georges Auric Impromptu en mi majeur, avec de nombreuses altérations ; Impromptu en sol majeur, plus brillant, de lecture plus aisée. Serge Nigg Deux Pièces, avec contrastes de tempi et changements de mesures. Elsa Barraine Marche du printemps sans amours, avec surabondance d’altérations. Darius Milhaud Méditation dédiée à E. Barraine, avec des oppositions de nuances f, p, pp. Karol BEFFA Trois Chorals dans le style de Bach pour piano. Paris. 21e siècle », Le Chant du Monde jjouvanceau PN4651. 2009. 8 p. La collection 21e siècle » est inaugurée par Trois chorals dans le style de Bach de Karol Beffa °1973, pianiste et compositeur français titulaire de sept Prix du CNSM, mais aussi statisticien. Le premier est très orné, avec une immuable basse en croches. Le deuxième nécessite un jeu égal triolets de doubles croches à la main droite. Le troisième, à 6/8, aux rythmes bien marqués, exige une interprétation qui ne semble pas aussi simple qu’au premier abord. Au fait, pourquoi l’appellation Chorals ? Ces trois volumes sont très bien gravés, aérés, avec indications des mouvements et des nuances. Édith Weber *** Olivier BELLAMY Martha Argerich. L'enfant et les sortilèges. Musique », Buchet/Chastel, 2010. 288 p. 23 €. Enfin une biographie en français de celle qui, au panthéon du piano, fait figure de génie et en même temps d'énigme. C'est que Martha Argerich ne se laisse pas facilement apprivoiser. Elle est insaisissable. Le grand mérite d’Olivier Bellamy est d'avoir réussi à lever le secret, le mystère presque, qui entoure cette artiste fantasque, mais aussi timide. Son parcours n'est-il pas en soi un conte des débuts fulgurants, des rencontres providentielles - Gulda qui n’eut qu'elle pour élève - des rendez-vous arrachés, souvent grâce à une mère tenace, avec les plus grands, Michelangeli, Horowitz. Il y a quelque chose de déconcertant chez Argerich qui professe ne jamais signer de contrat, entretient jusqu'à la dernière heure le suspense de ses apparitions, aime à s'éparpiller en mille projets qui fascineront plus d'un confrère, donne l'impression de ne pas y croire, au point de renoncer un beau jour à se produire en soliste. Ce qui motive par dessus tout cette vraie musicienne, c'est le plaisir de partager la musique, car elle possède ce don de caméléon qui lui permet de se fondre dans l'univers de l'autre ». L'y aident sa spontanéité et l'insolente facilité d'un tempérament farouche et indomptable ». Les festivals conçus pour elle, Beppu au Japon, Lugano plus près de nous, Buenos Aires, toutes ces soirées passées auprès de jeunes instrumentistes qu'elle révèle et protège sont là pour témoigner de la force de son engagement et de l'aura qui désormais entoure tout ce qu'elle approche. Anecdotes piquantes, secrets dévoilés, pourtant bien enfouis, révélations étonnantes à l'aune d'une personnalité hors norme, pimentent un récit qui se lit aisément, alors qu'on y croise bien d'autres destinées, élites du clavier, Bishop, Beroff, Freire et autres talents Maisky, Kremer, Abbado… L'illustre pianiste s'assagirait-elle ? Rien n'est moins sûr. Jacques VIRET Le Opéra. Éditions Pardès, 2009. 127 p. 12 €. Voilà un ouvrage qui, malgré sa modeste pagination, réussit le tour de force d'être à la fois concis et exhaustif. Comment s'initier au monde spécifique de l'opéra, réputé complexe ? En alliant réflexion à information, Jacques Viret nous fait toucher du doigt l'essentiel de cet art qu'on dit, à tort, réservé aux initiés dans l'opéra, la musique dévoile, au-delà des mots, la vérité, l'essence, la profondeur des êtres ». Plus qu'à retracer une histoire linéaire de l'art lyrique, l'auteur s'attache à livrer des pistes de réflexion transversales, en forme de décryptage du message que cèlent les scénarios d'opéra, et d'analyse de la destinée d'hommes et de femmes, souvent hors du commun, voire touchant au mythe. Surtout, il révèle les troublantes similitudes non seulement existant entre musique et littérature, mais encore unissant des œuvres qu'on n'associe pas forcément entre elles. L'approche, érudite, dépasse sans doute l'objectif d'offre basique qu'affiche le titre du livre, car elle se veut bien plus ambitieuse, à la recherche du signifiant. Qui s'en plaindrait ? Un synopsis simplifié d'une centaine de livrets sera utile pour se préparer à la représentation. Juste un regret que Janáček ne soit représenté que par Jenůfa, et Britten par le seul Peter Grimes ! Deux auteurs pourtant fort prisés, ces temps. Un petit dictionnaire de mots clés, une bibliographie et un listing de sites Internet complètent ce livre décidément brillant. Jean-Pierre Robert. Bernard FAUCONNIER Beethoven. Folio Biographies », Gallimard, 2010. 18 x 11 cm. 288 p., ill. couleurs. 5,80 €. Une nouvelle biographie du grand Ludwig… une de plus direz-vous ? Certes, mais Bernard Fauconnier sait captiver le lecteur. Cette vie de Beethoven se lit comme un roman. S’exprimant dans un style souple et agréable, l’auteur manie également l’humour comme les références à des faits ou des personnages contemporains. Il nous plonge dans l’univers du compositeur, ses cadres de vie, le quotidien de son époque, les événements politiques. Enfin, il nous fait découvrir des œuvres méconnues qui connaît par exemple L’éloge de l’obèse ! Mais surtout, Beethoven apparaît profondément humain, loin des clichés habituels, avec ses qualités, ses travers, ses malheurs et ses joies. Au fil des pages, il devient notre ami… Pascale FAUTRIER Chopin. Folio Biographies », Gallimard, 2010. 18 x 11 cm. 464 p., ill. couleurs. 8,27 €. En cette année Chopin, cette nouvelle biographie est la bienvenue. Pascale Fautrier ouvre au lecteur un monde passionnant à l’écart des stéréotypes malheureusement florissants sur l’époque romantique. Chopin apparaît comme le témoin de son temps, s’exprimant avec une énergie puissante et créatrice. En filigrane, l’auteur nous fait revivre les malheurs et les angoisses du peuple polonais ou nous plonge dans les tourbillons de la vie parisienne de la monarchie de Juillet. Au fil des pages, se découvre un Chopin novateur, humaniste, proche du peuple, ouvert aux problèmes de son temps, mais aussi se questionnant sur lui-même, sa famille, ses origines. Enfin, des liens sont établis entre les œuvres et l’homme, son quotidien, ses interrogations, éclairant parfois la musique d’une lumière nouvelle. Gérard Moindrot Yves KRUMENACHER dir. Lyon 1562, capitale protestante. Lyon, Olivétan 2009. 333 p. 25 €. Ce catalogue permet - aux lecteurs et visiteurs - de mieux cerner l’histoire, la vie quotidienne atelier d’imprimerie, Hôtel-Dieu, réunion du Collège consulaire et les activités des humanistes, imprimeurs et musiciens à Lyon. En 1542, l’érudit Étienne Dolet y avait réalisé les deux premières éditions de paraphrases de psaumes par Clément Marot. Après la mort de ce dernier, Théodore de Bèze prendra la relève et les 150 paraphrases de psaumes pourront paraître dès 1562, grâce à l’essor de l’imprimerie. Les musicologues seront intéressés par le chapitre V Les psaumes et leurs harmonisations à Lyon au XVIe siècle » où Claude Goudimel a été victime des massacres de la Saint-Barthélemy lyonnaise, peut-être le 28 août ? 1572. Grâce à Y. Krumenacher, cet ouvrage - avec chronologie, liste des pasteurs de Lyon minutieusement élaborée, éléments de bibliographie, glossaire, remarquables documents iconographiques - facilitera la compréhension de l’histoire de Lyon et complètera l’histoire des villes abordée actuellement par de nombreux historiens. Blut und Geist Blood & Spirit Bach, Mendelssohn und ihre Musik im Dritten Reich. Eisenach, Bachhaus 2009. 59 p. Ce catalogue de l’exposition début 2010, Maison Bach à Eisenach, à l’initiative de son directeur, le Dr Hansen, est particulièrement instructif, tant par son excellent apport iconographique que par les divers contextes. Le bicentenaire de la naissance de Mendelssohn 2009 ayant tant contribué dès 1829 à la relance de Bach et, en même temps, le 4e Festival international Voix étouffées » et Colloque La musique spirituelle dans la tourmente nazie » 29-30 janvier 2010, à Paris Grande Synagogue de la Victoire & Église réformée de l’Oratoire du Louvre deux manifestations complémentaires qui rappellent que, sous le IIIe Reich, de nombreux musiciens juifs et étrangers ont été persécutés d’où le titre Sang et Esprit et interdits de concerts même F. Mendelssohn, pourtant converti au luthéranisme. Au fil des pages de cette publication très bien présentée, à côté de l’évocation de l’environnement idéologique national-socialiste, les nombreuses illustrations réalistes et originales, les lettres et documents significatifs sont assez éloquents pour dénoncer l’horreur et la honte de cette doctrine. Devoir de mémoire oblige. Édith Weber. François COUPERIN Portrait d’Iris. Suites pour viole de gambe et pièces de clavecin. Emmanuelle Guigues, viole. Bruno Procopio, clavecin. Paraty TT 67’34. Au travers de ce Portrait d’Iris, Emmanuelle Guigues et Bruno Procopio - auxquels s’associent Sylvia Abramowicz à la viole et Rémi Cassaigne au théorbe & à la guitare baroque - donnent à entendre différentes facettes de l’œuvre d’un compositeur qui voyait la musique comme la peinture de son monde intérieur. Une très belle interprétation qui réjouira tous les amateurs de musique baroque. Alfred CORTOT Aspects de Chopin. Albin Michel, 2010. 280 p. 20€. Nouvelle édition, à l’occasion du bicentenaire de la naissance de Frédéric Chopin 1810-1849 du livre d’Alfred Cortot, dont l’édition originale date de 1949. Cette réédition comporte, de plus, une préface inédite de la pianiste Hélène Grimaud et un guide discographique de Bertrand Dermoncourt. Un livre attachant, bien écrit, où transparaissent, tout du long, la profonde tendresse et l’immense admiration de l’élève pour le maître. Bien plus qu’une simple biographie, cet ouvrage explore les différentes facettes de l’homme et du compositeur. Tout d’abord le portrait, romantique bien sûr, d’un Chopin ressemblant à sa musique, pourvu d’un grand nez et d’un 4e doigt insuffisamment docile » mais d’une main procédant d’une étonnante conjonction entre souplesse des doigts et fermeté de l’ossature, expliquant un exceptionnel toucher. Sont ensuite abordés l’œuvre de Chopin, son enseignement, ses concerts, et surtout une longue étude psychologique évoquant, tour à tour l’enfance, le milieu familial, l’exil, les relations artistiques, les amours et, bien sûr, la prévisible rupture avec George Sand. Un émouvant hommage et, à ce titre, non exempt d’une compréhensible partialité. Xavier VEZZOLI Frédéric Chopin, George Sand. De la rupture aux souvenirs. ZurfluH, 2010. 120 p. 10 €. Deux personnalités hors du commun, deux génies de la littérature et de la musique, une liaison douloureuse et passionnée, emblématique de toute une époque… Était-il nécessaire de regarder l’histoire par le petit bout de la lorgnette ? Pour ceux que cela intéresse, une exégèse de cette rupture, assez contestable et de guère d’intérêt. Dmitri KOURLIANDSKI La musique objective. À la ligne », collection éditée par l’Ensemble 2e2m. 2010. Édition bilingue, français/anglais traduit du russe. 130 p. 10 €. Livre intéressant où le jeune compositeur russe Dmitri Kourliandski, actuellement en résidence auprès de l’Ensemble 2e2m, précise son univers et son imaginaire compositionnel en s’inscrivant délibérément dans la postmodernité où la musique, plongée dans l’immanence absolue, devient geste sonore et où l’artiste est sa propre œuvre d’art. Nourri des différentes influences du sérialisme intégral, de l’improvisation ouverte, du conceptualisme, du bruitisme, du constructivisme et du cadre musical classique, Dmitri Kourliandski définit la notion de musique objective, née d’objets cinétiques où le son devient conséquence de mouvements mécaniques, telle une musique dépouillée de toute subjectivité de l’auteur et de l’interprète, posant ainsi les questions de la projection acoustique de l’objet, des rapports entre perception visuelle et perception sonore, de la désubjectivation de l’interprétation, mettant l’accent sur l’aspect physiologique de l’exécution et sur l’absence de contrôle du son. Seules comptent, ici, les conditions physiques du jaillissement de la sonorité. Avec un catalogue des œuvres de Dmitri Kourliandski qui permettra de se faire une idée objective ! de telles conceptions. Sandrine DARSEL De la musique aux émotions. Une exploration philosophique. AEsthetica », Presses universitaires de Rennes, 2009. 285 p. 15€. Livre exigeant et complexe dont la lecture est recommandée à ceux qui s’intéressent à la philosophie de la musique. Son but est de préciser et de comprendre les rapports existant entre la musique et les émotions - émotions exprimées par l’œuvre et émotions ressenties à son écoute - par une analyse ontologique et épistémologique, voire métaphysique qui s’oppose à la phénoménologie et à l’orthodoxie de l’esthétique kantienne. Dans la première partie, l’auteur définit l’œuvre musicale en se basant sur une métaphysique descriptive et non révisionniste de la musique l’ontologie des œuvres musicales relève d’une ontologie populaire, laquelle porte sur nos croyances quotidiennes au sujet des œuvres musicales. La conception défendue insiste sur la matérialité de l’œuvre musicale, son statut physique et public - qui la différencie des autres conceptions mentaliste, platoniste ou nominaliste – elle tente d’expliquer la multiplicité des formes musicales dans une conception unifiée, la perception intuitive que nous avons de la création de l’œuvre musicale, l’histoire de sa production et son accès épistémologique par la perception auditive. La nature spécifique de l’œuvre étant clarifiée, l’étude des rapports musique & émotions devient possible. La deuxième partie traite de l’expression musicale des émotions, comprise comme forme de symbolisation – l’exemplification métaphorique - laquelle se distingue à la fois de la description et de la représentation, tout en supposant un rapport direct entre l’œuvre musicale et l’émotion. La troisième partie aborde la compréhension musicale et le rôle épistémologique des émotions de l’auditeur. En faisant de la compréhension musicale un type de perception aspectuelle, l’opposition entre émotionnel et cognitif s’abolit, les émotions constituent un mode propre de compréhension de la musique mettant au second plan l’interprétation musicale. Ce livre conclut sur la proposition d’une alternative entre les conceptions récusant tout rapport entre musique & émotion et celles basant ce rapport exclusivement via l’expérience individuelle de l’auditeur ou du compositeur, en même temps qu’il contribue à rendre justice à la philosophie de la musique et de l’art en général. Michel MAFFESOLI Matrimonium. Petit traité d’écosophie. CNRS Éditions 2010. 79 p. 4€. Un livre qui nous propose de passer du progrès, avec sa capacité destructrice aujourd’hui démontrée, au progressif, par une invagination » du sens, un télescopage temporel, une pensée-souvenir permettant de mettre en œuvre un nouveau discours de la méthode réinvestissant les archaïsmes, comme la nature, que nous pensions avoir dépassés. Retour à l’essentielle nature des choses, acceptation de la finitude, refus d’une vaine espérance venue des arrière-mondes, acceptation du clair-obscur de l’existence, accordance à l’être du monde en sa réalité multiple, complétude plutôt que perfection, retour de la puissance sauvage, Dionysos supplantant Prométhée, immanence et non transcendance, valorisation des émotions et des relations à l’autre, l’expérience individuelle ne prenant sens qu’en accord avec celle de l’espèce et de la nature, favoriser le laisser-être, l’éthique à la morale, mise en accusation du devoir-être et de la raison kantienne, procès de la modernité et de toutes ses déviances économiques, politiques et culturelles - voilà l’argumentaire qui fixera les fondements de la sensibilité écologique et de la postmodernité triomphante. Une écosophie difficile à théoriser, qui préconise un retour au rien fondateur, au creux matriciel, bien différente de l’écologie politique actuelle, en faisant appel à une logique conjonctive, teintée d’idéalisme. Un livre bref, de lecture facile, mais sans doute un peu caricatural. Patrice Imbaud Philippe A. AUTEXIER Beethoven. La force de l’absolu. Découvertes Gallimard » série Arts n°106, nouvelle édition. 12,5 x 18 cm, 128 p., ill. n&b et couleurs. 13 €. Assurée par Marcel Marnat, cette réédition de la célèbre biographie – admirablement synthétique – de notre regretté collaborateur Philippe A. Autexier répond aux instances de nombreux universitaires, étudiants et mélomanes. Outre un parcours émaillé de superbes illustrations – à l’ordinaire de la collection -, ont été ici rassemblés quelque 130 documents particulièrement éclairants portraits des maîtres de Beethoven, de ses protecteurs princes Lichnowski et Esterházy, de ses amies bien-aimées Bettina Brentano, notamment, fac-similés de partitions manuscrites et de lettres Testament d’Heiligenstadt », Lettre à l’immortelle bien-aimée »… Frédéric CHOPIN Esquisses pour une Méthode de piano. Textes réunis & présentés par Jean-Jacques Eigeldinger. 2e édition. Harmoniques », Flammarion. 15 x 24 cm, 142 p., fac-similés, ex. mus., deux cahiers de fac-similés. 21 €. Jean-Jacques Eigeldinger a ici rassemblé et décrypté les diverses notes manuscrites que Chopin avait rédigées en français en vue d’une future Méthode de piano qui, de par la mort du compositeur, ne vit jamais le jour. C’est dire l’intérêt, proprement historique, d’une telle publication. Autant le compositeur répugnait à se produire en public – sinon dans des salons amis -, autant il aima enseigner à de toutes jeunes femmes - du meilleur monde, naturellement. À ces Esquisses manuscrit Cortot avec interpolations d’autres sources, assorties de Deux exercices de transposition, sont joints le Traité du mécanisme du piano du Norvégien Thomas Tellefsen 1823-1874, l’un des rares élèves de Chopin à devenir professionnel, des documents pédagogiques complémentaires - de Karol Mikuli 1879, Jan Kleczyński 1880 et Cecylia Dzialysńka 1892 - ainsi qu’une bibliographie, fort utilement mise à jour en 2010. Sylvia KAHAN In Search of New Scales Prince Edmond de Polignac, Octatonic Explorer. Eastman Studies in Music », vol. 63. University of Rochester Press Hard back. 16 x 23,5 cm, 392 p., ill. n&b, ex. mus. £ / $ Établie par un professeur de l’Université de New York, cette biographie du prince Edmond de Polignac 1834-1901 nous révèle un fin musicien, compositeur à ses heures - et, surtout, inventeur de la méthode octatonique, laquelle se fonde sur des échelles faisant systématiquement alterner tons et demi-tons. Principe non moins intellectuel » que celui de la gamme par tons ou de la série dodécaphonique – mais qui n’aura pas eu l’heur de connaître la même postérité… Peinture, en outre, admirablement circonstanciée de toute une brillante société gravitant autour d’un grand aristocrate richissime, se pressant à ses concerts et réceptions. En témoignent plusieurs photos incluses dans le présent volume, où l’on peut notamment reconnaître Marcel Proust, Gabriel Fauré… La seconde partie de l’ouvrage comporte l’intégrale traduite en anglais du Traité octatonique d’Edmond de Polignac - propos illustré d’innombrables exemples musicaux. Jean-Yves BOSSEUR De vive voix. Dialogues sur les musiques contemporaines. Musique ouverte », Minerve 15,5 x23 cm, 222 p., 21 €. Il s’agit là d’un passionnant florilège d’entretiens avec quelques-unes des personnalités les plus déterminantes de la musique - des années 1960 à nos jours Boulez, Brown, Cage, Carter, Dutilleux, Feldman, Henry, Kagel, Lutoslawski, Maderna, Penderecki, Pousseur, Schaeffer, Stockhausen, Takemitsu, Wolff, Xenakis. Où sont naturellement évoqués l’héritage du sérialisme, l’électroacoustique, le spectralisme, poétique de l’indétermination & formes ouvertes, l’avènement du théâtre musical - sans faire l’impasse sur les pérennités à tout le moins diverses… des théories nées au début de la seconde moitié du XXe siècle. Nicolas DARBON Sous la direction de Henri Dutilleux. Entre le cristal et la nuée. CDMC 20 x 25 cm, 164 p., tableaux, ex. mus. 12 €. Pourquoi les chefs-d’œuvre de Dutilleux nous étreignent-ils ? Ce n’est pas parce qu’ils sont les fruits patients d’une minutie légendaire. Mais bien plutôt parce qu’ils sont genèses informes de formes… » écrit Nicolas Darbon. C’est à illustrer ce propos que s’attachent ici une vingtaine d’éminents contributeurs. Et ce, au fil de six grandes parties Miroirs/ Métamorphoses/ Correspondances/ Introspections/ Résonances/ Témoignages. Riches annexes liste des œuvres, indications bibliographiques, sélection discographique, filmographie. Un nouveau monument – et non l’un des moindres – à la gloire anthume du grand Dutilleux. François MEÏMOUN Entretien avec Pierre Boulez. La naissance d’un compositeur. Musiques du XXe siècle », Aedam Musicae 14 x 20 cm, 84 p. 9,90 €. C’est sur la jeunesse & la formation de Pierre Boulez que porte cet entretien, seules périodes point encore trop rebattues - que ce fût par le compositeur lui-même ou les foules exégétiques… Naissance à Montbrisson en 1925 ; venue à Paris en septembre 1943 ; études au Conservatoire avec divers professeurs académiques » puis avec Messiaen découverte du gamelan balinais, fréquentation du Musée de l’Homme ; suit brièvement des cours auprès de René Leibowitz qu’il ne porta jamais dans son cœur. Mais aussi influences littéraires d’Antonin Artaud et de René Char, notamment… Quatre grands chapitres La découverte de la musique & les premiers apprentissages / Se soustraire aux héritages / Vers les autres arts pour la définition d’un style / Regards & points de vue sur quelques personnalités en marge du monde musical de l’après-guerre. Foin des anathèmes d’antan le ton est ici d’une bien agréable et toute nouvelle indulgente simplicité... Bibliographie sélective. Michel CHION La musique concrète, art des sons fixés. Entre-deux » n°7, Mômeludies éditions/CFMI de Lyon 14 x 18 cm, 160 p., 18 €. L’auteur réputé spécialiste du son & de la musique au cinéma, redéfinit ici la musique concrète terme créé en 1948 par Pierre Schaeffer comme une musique faite à même le son – sans passer par une quelconque écriture -, non moins que comme un objet sonore n’existant que sur son seul support d’enregistrement. Fort classique étude certes, mais ici assortie d’une très intéressante annexe où Michel Chion nous dévoile nombre de techniques analogiques », procédés de travail voire trucs » propres à chaque compositeur de musique concrète. Maya BACACHE, Marc BOURREAU, Michel GENSOLLEN & François MOREAU Les musiciens dans la révolution numérique. Inquiétude et enthousiasme. Irma 15 x 20 cm, 128 p., 79 tableaux, 10 €. Rédigée par quatre économistes et chercheurs, éminents spécialistes de l’industrie musicale, cette étude fait le point sur la situation présente des filières numériques, la typologie des artistes & musiciens interprètes interviews de membres de l’AMI, de ceux d’entre eux qui utilisent Internet, qui produisent de la musique numérique et de leurs réactions face à cette révolution. Sont aussi abordés les problèmes posés par le home-studio, les rapports avec les publics, le piratage et les possibles parades pour assurer les futurs financements de la création. Car - il ne faut plus se leurrer - si la musique est avant tout un art, elle est aussi une industrie qui, désormais, tend inexorablement à dématérialiser ses productions. _______________ Voilà bientôt vingt ans que nous a quittés Lucien Ginsburg - alias Serge Gainsbourg voire Gainsbarre. Anniversaire que n’ont certes pas oublié nombre d’éditeurs. Voici deux remarquables publications. Serge Gainsbourg 1928-1991. Ouvrage collectif. Beaux livres », Timée éditions 20 x 25 cm, 140 p., ill. n&b et couleurs. 19 €. Ponctués de photos exceptionnelles, 50 brefs récits retracent l’itinéraire d’un artiste protéiforme, poète né, provocateur par timidité, qui aura choisi la chanson par dépit de n’être pas le peintre qu’il aurait voulu. Où trouvent, bien sûr, leur place l’alcool, les Gitanes et, surtout, les femmes que ce séducteur foncièrement misogyne aura chanté mieux que personne. Serge Gainsbourg photographié par Tony Frank. Avec la participation de Jane Birkin, Bambou & Charlotte Gainsbourg. Le Seuil Album relié sous jaquette. 23 x 28 cm, 35 €. Grand album de photos, pour la plupart inédites, d’un Serge Gainsbourg rien moins que people - dans sa plus émouvante quotidienneté. Une somptueuse publication, un hommage inoubliable ! Aujourd’hui menacée par la montée en puissance de l’anglais – hélas plutôt d’aéroport que de Shakespeare -, la langue française a, non moins que par le passé, de vaillants hérauts et défenseurs. ARNAULD & LANCELOT Grammaire générale et raisonnée. Présentation de Jean-Marc Mandosio. Allia 11,5 x 18,5 cm, 160 p., 9 €. Connu sous le nom de Grammaire de Port-Royal », cet ouvrage, co-signé par le grammairien Claude Lancelot 1615-1695 et le philosophe janséniste, ami de Pascal, Antoine Arnauld 1612-1694, fit grand bruit lors de sa parution en 1660. Il comprend, notamment Les fondements de l’art de parler, expliqués d’une manière claire et naturelle ; les raisons de ce qui est commun à toutes les langues, et des principales différences qui s’y rencontrent », etc. Plus que jamais d’actualité, cette Grammaire comporte deux grandes parties Où il est parlé des lettres et des caractères de l’écriture » 6 chapitres et Où il est parlé des principes et des raisons sur lesquelles sont appuyées les diverses formes de la signification des mots » 24 chapitres. Utile index. Un formidable bain de jouvence ! Alain REY Le français, une langue qui défie les siècles. Découvertes Gallimard » 12,5 x 18 cm, 160 p., ill. n&b et couleurs. 14,60 €. Avec sa bonhomie coutumière, le très médiatique lexicographe sait, comme personne, communiquer son amour de la langue française. Sur fond de latin et de traces de celtique, il nous montre comment le français aura pu se construire grâce à mille apports étrangers fruits d’invasions, d’influences, de métissages, de révolutions permanentes le francique, l’ancien norrois, l’italien, l’espagnol, l’arabe, l’anglais… Démonstration étayée de quelque 150 documents passionnante iconographie. Gérard de CORTANZE Passion de la langue française. Desclée de Brouwer 14 x 21 cm, 236 p., 19 €. J’ai une patrie la langue française » disait Albert Camus. En ces temps de quête d’identité, la formule gagne certes en pertinence. Gérard de Cortanze a ici réuni et nous présente un florilège de 33 grands textes sur la langue française, non sans s’insurger contre ceux qui la galvaudent – dans notamment l’anathème qu’ils jettent sur l’orthographe. Autour de cinq grands thèmes De l’histoire, Du style, Du combat, De la langue, De la francophonie » ont été rassemblés des textes de Dauzat, Cheng, du Bellay, Queneau, Imbert, Carrère d’Encausse, Étiemble, Cioran, Kristeva, Sédar Senghor, Rivarol, Vaugelas, Renan, Valéry… Sous peine de danger mortel, [la langue française] se doit de viser haut et de se tenir droite » nous met en garde l’auteur. Francis Cousté. POUR LES PLUS JEUNES La vie comme un cadeau. Berceuses et chansons pour s’éveiller à la vie & à la foi. [Cahier oblong + CD encarté CD 1281. TT 46’45]. VDE-Gallo, La Cure, rue du Four 2 – CH-1410 Denezy info Cette réalisation originale se présente sous la forme d’un livre d’images avec des dessins pleins d’allant et suggestifs d’Amélie Rochat Lilypad, de son nom d’artiste, des récits et des titres simples à la portée des enfants de 1 à 6 ans. Parents et animateurs apprécieront ces petites histoires, poèmes rimés, chansons avec refrain faciles à retenir par cœur, d’autant plus que le CD comprend une sélection de berceuses et chansons. Il est agrémenté par des coloris instrumentaux variés petite harpe celtique, flûte de Pan… et les couleurs vives dans le texte. Parmi les auteurs paroles et musique, figurent Mannick et Jo Akepsimas, Jean-Noël et Pierre Klinger, ou encore Cécile Klinger. Les thèmes sont variés fleurs, prénoms, amour familial, nature, jeu de ballon, magie de l’arc-en-ciel, neige, Noël, Pâques, printemps… une réussite du genre par son aspect didactique, ses dessins contagieux. Vraiment de quoi éveiller les enfants à la vie ». Édith Weber. Haut Surrexit Christus. Vêpres et procession de Pâques à Notre-Dame de Paris au XIIIe siècle. Hortus editionshortus 073. Ce disque, réalisé à l’initiative des éditions Hortus, de Didier Maes et du musée de Cluny-Musée national du Moyen Âge, est interprété par la Maîtrise Notre-Dame de Paris, l’Ensemble grégorien, tous placés sous la direction efficace de Sylvain Dieudonné. La remarquable pochette précise les sources manuscrites Antiphonaire parisien dit de la Sorbonne » et les cotes à la BnF, à Florence et à Wolfenbüttel. Les non-spécialistes apprécieront un glossaire portant sur les principales formes, une approche historique sur l’École de Notre-Dame et les principaux interprètes. Les textes sont présentés en latin, en français et en anglais. Cet enregistrement très présent fait revivre l’atmosphère musicale résonnant dans la cathédrale. Il comprend textes et musiques concernant, d’une part, lesVêpres et, d’autre part, la Procession du jour de Pâques ; il offre un tableau des principaux genres cultivés par l’Ars antiqua rondeaux en introduction et conclusion, séquences, organa, motets, conduits, répons, antiennes et psaumes. Un modèle du genre. Jean-Sébastien BACH Airs d’oratorio. VDE-Gallo La Cure, rue du Four 2, CH-1410 Denezy. info CD 1300. TT 77’02. La démarche de ce CD consiste à présenter des Airs bien connus extraits d’œuvres significatives de Bach Messe luthérienne BWV 234-235, Passions selon saint Matthieu BWV 244, et saint Jean BWV 245, Oratorio de Noël BWV248, Magnificat BWV 243 et de la cantate Ich habe genug BWV 82. Ces pages précisant l’idée générale des paroles sont situées dans leurs divers contextes par rapport à l’œuvre, à l’action. L’incipit allemand est suivi de la traduction française. Dans les différentes pièces, le baryton Pierre-Alain Savary est soutenu, à l’orgue, par l’accompagnement précis de Catherine Imseng-Ruscito également au continuo, Claire Marcuard violon, Patrick Marguerat hautbois et Blaise Vatré viole de gambe qui, par leurs sonorités et leurs timbres, recréent l’atmosphère spécifique des Récitatifs et des Airs. Sa voix puissante fait passer le drame, par exemple dans le Récit Am Abend da es kühle war, contrastant avec le mouvement et l’énergie dans l’Air Eilt, eilt, ihr angefochtnen Seelen. Cet enregistrement de caractère plus intime, un tantinet inégal, traduit tout l’enthousiasme du Dr Savary. Sainte Madeleine. Jade 43, rue de Rennes, 75006 Paris. promotion 699 695 2. TT 72’. Cet enregistrement du Chœur des moines de l’Abbaye Sainte-Madeleine du Barroux en Provence, comprend la Messe, les Vêpres, un choix d’antiennes, répons et séquences, et – sainte Madeleine étant la patronne de la Provence - pour donner une note locale, deux pièces pour galoubet et orgue. La Messe de Sainte-Madeleine, propre à cette abbaye, a bénéficié de longues et solides recherches d’archives. Elle commence par un carillon et se poursuit avec les parties traditionnelles. À l’orgue, un Récit de cornet de Couperin sert de transition à l’Offertoire, au Sanctus et à l’Agnus, suivis de la Communion Optimam partem. Les Vêpres se terminent par la Fugue sur l’Ave Maris Stella » de Dandrieu. Par son chant calme et soutenu, le Chœur des moines maintient la grande tradition du monachisme occidental et prouve que la liturgie grégorienne reste toujours vivante. Henry DU MONT Cantica sacra. Ricercar stephanie RIC 293. TT 72’45. Ce disque, réalisé par le Chœur de chambre de Namur sous la direction de Bruno Boterf, paraît en liaison avec l’édition des Cantiga Sacra par Jean Lionnet pour le Centre de musique baroque de Versailles. Henry Du Mont 1610-1684 - alias Henry De Thiers - a aussi le mérite d’être l’un des tout premiers compositeurs français à exploiter les possibilités de la basse continue. Structuré en 6 parties Psaumes, Imploration du pardon, Pour les Fêtes des saints, Du Cantique des Cantiques, Pour le Saint Sacrement, L’Année liturgique, il comprend un choix de Cantiques sacrés allant de 2 à 4 voix, avec éventuellement des instruments violon, basse de viole, orgue, également pour le continuo assuré par Freddy Eichelberger. Bruno Boterf, à la fois chef et chanteur, les solistes du Chœur de chambre de Namur redonnent vie à ces pièces latines judicieusement sélectionnées et typiques de l’école de Versailles. Orgues historiques de France, vol. 7. Sinus Postfach 526 CH-8802 Kilchberg sinus-verlag Sin 3007. CD Diffusion. TT 62’12. Albert Bolliger - qui n’est plus à présenter à nos lecteurs - poursuit en Brie sa tournée des Orgues historiques de France. Son volume 7 présente l’instrument ca 1680 de Rozay-en-Brie où se trouve une collégiale du XIIIe siècle. Son orgue, remontant au dernier quart du XVIIe siècle, est souvent appelé Orgue des Couperin ». Le buffet du grand orgue comprend des éléments sculptés du XVIe siècle. Selon un document d’archives, sa restauration avait été commandé en 1723 à Fr. Deslandes, mort peu après. En 1737, Clicquot reprend les travaux. Protégé lors de la Révolution, l’instrument tombe en ruine au XIXe siècle. En 1930 Gabriel d’Alençon entreprend une restauration. Il sera inauguré, le 13 août 1933. Avec son talent habituel, A. Bolliger, mettant en valeur les différentes possibilités de registration, propose un programme avec des Préludes, Fugues, Noëls, Danses… des XVIIe et XVIIIe siècles, de G. Jullien, Lebègue, J. Ch. de Chambonnières, J. Boyvin, Louis, Armand-Louis & François Couperin. *Şefika KUTLUER Mevlana Rumi. VDE-Gallo 1266. TT 54’13. *Şefika KUTLUER The romantic flute. VDE-Gallo La Cure, rue du Four 2, CH-1410 Denezy. info 810. TT 64’35. Les éditions VDE-Gallo ont le mérite d’avoir découvert Şefika Kutluer, flûtiste turque de tout premier plan et de renommée internationale. Ces deux enregistrements font écho à l’inoubliable concert qu’elle a donné, le 5 mars 2010, à l’église Saint-Honoré d’Eylau, dans le cadre de la Saison de la Turquie en France. Après avoir effectué de brillantes études au Conservatoire d’État d’Ankara, elle se perfectione à Rome et à Vienne, et possède un très vaste répertoire. Artiste d’État du ministère turc de la Culture, elle s’est produite avec les plus grands orchestres internationaux. Le premier disque Mevlana Rumi comprend 9 pièces dans lesquelles, accompagnée par les Virtuoses de l’Orchestre de Prague, dirigés par Oldrich Vtcek, elle déploie son exceptionnel talent expressif émotion, lyrisme et mystère dans les mouvements lents notamment l’Andante du Concerto pour flûte From Mevlana to Today » d’Ilyas Mirzayev ; énergie, volubilité et virtuosité dans le Presto du Concertino pour flûte & orchestre à cordes d’Arif Melikof °1933. Dans toutes ces pièces, elle fait preuve d’une parfaite maîtrise technique rien n’est forcé, tout coule de source. Le second disque Flûte romantique comporte des œuvres pour flûte & piano. Şefika Kutluer recrée à merveille des atmosphères aussi différentes que la Fantaisie pastorale hongroise de A. F. Doppler, le Carnaval de Venise Genin ou encore la pièce À la tombe de Yunus. Elle assimile à merveille l’esthétique française de Fr. Poulenc dans sa Sonate pour flûte & piano et de Cl. Debussy avec Syrinx, solo de flûte, dont la mélodie évolue tout en justesse et en souplesse, à travers tous les registres. Avec le pianiste Namil Sultanov, elle forme une merveilleuse équipe très équilibrée où le piano n’a pas qu’un rôle d’accompagnateur et de soutien ; il s’impose aussi par son toucher et sa sonorité irrésistibles. Dans The Swiss Shepherd, de Francesco Morlacchi, elle dialogue avec le piano. Les mots manquent pour décrire l’enchantement émanant de sa personne et de son jeu. Disques exceptionnels d’émotion et de musicalité. Georges MIGOT Suite à trois. Livre des danceries. Atma Classique Emmanuel Honegger ACD2 2543. TT 57’19. Toujours partie prenante pour la diffusion de l’œuvre de Georges Migot » 1891-1976, l’Association française éponyme vient de réaliser ce CD avec le soutien du ministère du Patrimoine canadien. Le Trio Hochelaga A. Robert violon, P. Marleyn violoncelle, S. Lemelin piano interprète la Suite à trois, Trio 1935 en 4 parties contrastées, composé dans un environnement aquatique et paisible ». Dans cette excellente formation, chaque instrumentiste peut se mettre en valeur pour un passage très expressif et tourmenté ou, au contraire, s’effacer pour donner libre cours à une autre ligne mélodique, au profit de l’intériorité ou pour marquer des entrées successives. Le Livre des danceries pour flûte R. Cram, violon & piano 1929 bénéficie des mêmes qualités d’interprétation précision, distinction, transparence. L’atmosphère se fait, tour à tour, entraînante, espiègle, percutante ou mélodieuse et dépouillée ; le 3e mouvement Religieux » est particulièrement expressif. La conclusion, énergique et bien enlevée, se termine dans un calme bienfaisant. Cette collaboration canado-française permettra aux discophiles de renouer avec l’œuvre de G. Migot. Wieso ist der Walter so klug für sein Alter ? Salonorchester. Rondeau mail ROP6033. TT 59’37. Un peu de musique de salon, énergique, dansante, entraînante et envoûtante ? Les mélomanes seront entraînés par un tourbillon et un flot de notes, de sonorités aguichantes, voire agressives, de rythmes de danse, toujours en mouvement. Ce CD illustre la renaissance en Allemagne de l’intérêt pour la musique de salon, les orchestres d’amateurs et de musique de danse. Le programme comporte d’irrésistibles pièces à succès sur divers titres, par exemple Comment se fait-il que Walter soit si avisé pour son âge ?, Charmante Begegnung rencontre, sans oublier Yvette, Serafina, Mariska… archiconnus outre-Rhin, genre caf’conc’ typique de l’entre-deux-guerres, baignant dans l’humour, la fantaisie et la nostalgie. Désopilant ! Moving Clarinet. Arcodiva UP 0106-2 131 CD Diffusion info TT 52’33. L’association clarinette & piano est pratiquée, notamment en Europe de l’Est, par des compositeurs célèbres dont Bohuslav Martinů 1880-1959 ou à découvrir Josef Páleničcek 1914-1991, Miloslav Ištvan 1928-1990, Viktor Kalabis 1923-2006. Leurs œuvres ont des titres traditionnels Partita, Sonatine, Sonate, Études, Suite. Ce duo composé de musiciens peu connus en France Irvin Venys clarinette et Martin Kasik piano réserve un sort royal à ces œuvres tchèques dont la facture mélodique est un tantinet orientale. Les Études pour clarinette solo de Karel Husa né en 1921 avec des titres significatifs Mountain Bird, Poignant song, Relentless machine exigent une grande maîtrise technique souffle, phrasé, justesse… dont fait preuve I. Venys. Disque inattendu pour mélomanes curieux et amateurs. Édith Weber. Johann Sebastian BACH Passio secundum Johannem. La Chapelle rhénane, dir. Benoît Haller. 2CDs Zig-Zag Territoires Des quatre versions connues de la Passio secundum Johannem œuvre en devenir » 1724, 1725, 1728, 1747, Benoît Haller et la Chapelle rhénane ont réalisé une manière de version syncrétique hypothétique version 5, dans la perspective d’illustrer, au-delà du cadre liturgique, les sentiments qui peuvent habiter, un jour ou l’autre, chacun de nous tentations de sacrifice, de reniement, de trahison, de jugement, voire de cruauté. Passionnante aventure, soutenue par d’exceptionnels solistes Julian Prégardien, ténor reprenant admirablement le rôle que son père, Christoph, illustre depuis quelque 20 ans, Benoît Arnould, baryton Jésus, Dominik Wörner, baryton Pierre, Pilate. Chaque pupitre du chœur est assuré par deux excellents chanteurs. Une version proprement extraordinaire. Carl CZERNY 1791-1857 Nocturnes. Isabelle Oehmichen, piano. Hortus 074. Distr. Codaex. TT 76’19. Surprise de découvrir un vrai poète chez cet invraisemblablement prolifique technicien qui tant fit souffrir nos mains d’enfants plus de 900 numéros d’opus !. Il s’inspire ici, bien sûr, de John Field - comme le fit d’ailleurs Chopin. Élégants et raffinés – longues mélodies élégiaques -, ses huit premiers Nocturnes, op. 368, ont été composés entre 1830 et 1835 ; les huit suivants, op. 604, composés de 1840 à 1842, sont beaucoup plus virtuoses ; quant au Nocturne op. 647, dit La Reine », il parut séparément en 1842. Isabelle Oehmichen a, de toute évidence, été séduite par ces pages dont elle nous donne ici, probablement, la première audition depuis la disparition du compositeur. Une redécouverte fort bienvenue. Musique française des XVIIe et XVIIIe siècles. Benjamin Alard °1985 à l’orgue de l’église Saint-Ouen de Pont-Audemer. Œuvres de J. Titelouze, J. Boyvin, Fr. Couperin, Charpentier, Leclair, Lalouette. Hortus 076. Distr. Codaex. TT 51’47. Avec l’heureux concours de trois excellents amis musiciens, Marie Rouquié violon, Julien Léonard viole de gambe et Thomas Van Essen baryton, Benjamin Alard nous présente ici - sur un superbe instrument, désormais en l’état qui était le sien avant la Révolution - des pièces instrumentales, telle la Sonata VIII à trois de Jean-Marie Leclair, et vocales, tels le Salve Regina de Marc-Antoine Charpentier et deux petits motets de Jean-François Lalouette O mysterium inefabile et Domine Salvum fac Regem. Avec aussi de nombreuses et remarquables pièces pour orgue seul. Christian Ernst GRAAF 1723-1804 Symphonie n°1. Francesco ZAPPA ca 1763-1788 Symphonie concertante dite pour violoncelle » ; Symphonie en ré majeur. Friedrich SCHWINDL 1737-1786 Symphonie n°3. Wolfgang Amadeus MOZART 1756-1791 Symphonie n°5 K. 22 ; Air Conservati Fedele, pour soprano & orchestre, K. 23. Carl STAMITZ 1746-1801 Symphonie n°1. New Dutch Academy sur instruments anciens, dir. Simon Murphy. Super audio CD Pentatone PTC TT 68’12. Où nous sont ici révélées – joyaux de la couronne hollandaise » - des symphonies composées, au XVIIIe siècle, pour la cour du prince d’Orange à La Haye. Avec, remarquables solistes, Caroline Kang violoncelle & Elisabeth Dobbin soprano. Pour leur 1er enregistrement mondial, ces œuvres bénéficient, en outre, d’une incomparable qualité de prise de son et de gravure Hybrid Multichannel. Ludwig van BEETHOVEN An die ferne Geliebte À la bien-aimée lointaine », op. 98. Robert SCHUMANN Fantasie, Dichterliebe Les amours du poète », Gilles Ragon ténor, Jean-Louis Haguenauer piano. Saphir LVC TT 75’39. Sous la bienfaisante déferlante de publications dédiées à Chopin, ne s’est heureusement pas tarie la production dédiée à Schumann. Ainsi Les Amours du poète cycle de Lieder sur des poèmes d’Heinrich Heine & la Fantaisie pour piano sont-ils ici placés sous les auspices de Beethoven, avec À la bien-aimée lointaine, insécable cycle de 6 Lieder que relient un même argument. On peut toutefois regretter que le chanteur reste un peu extérieur à des œuvres qu’il nous présente avec, d’ailleurs, délicatesse et minutie. Dans les trois pièces qui composent la Fantaisie de Schumann, le pianiste Jean-Louis Haguenauer peut donner libre cours à son énergique et frémissante sensibilité. Antonín DVOŘÀK Requiem. Symphonie n°8. Royal Concertgebouw Orchestra, Wiener Singverein, dir. Mariss Jansons. Krassimira Stoyanova soprano, Mihoko Fujimira alto, Klaus Florian Vogt ténor, Thomas Quasthoff basse. 2 Super-audio CDs RCO Live RCO 10001. TT 76’37 + 60’09. Commande du Birmingham Festival Committee Dvořák fut toujours mieux accueilli en Angleterre que partout ailleurs, ce Requiem 1890 ne fut évidemment pas composé à des fins liturgiques. Son motif initial de quatre notes aux violoncelles fait, en quelque sorte, fonction de thème cyclique tout au long de l’œuvre. Quant aux parties des quatre solistes, elles sont solidement ancrées aux interventions des chœurs. Négligeant le traditionnel thème grégorien, le Dies irae est étonnamment une marche. Une œuvre, en définitive, injustement méconnue - en regard notamment du Stabat du même compositeur. Interprétation inspirée - sereine, lumineuse. D’inspiration populaire, bondissante et joyeuse, la 8e Symphonie voisine ici avec bonheur un Requiem qui ne vise certes pas à susciter l’effroi. Peter Ilyich TCHAIKOVSKY Concerto pour violon, Sérénade mélancolique, Valse-scherzo, Souvenir d’un lieu cher, pour violon & piano. Julia Fischer, violon. Orchestre national de Russie RNO, direction et piano Yakov Kreizberg. Super audio CD Pentatone PTC TT 68’25. Dans un répertoire qui se prête à tous les débordements romantiques, louables sont la sobriété et l’intense concentration de deux artistes dont on ne saurait trop se réjouir de l’heureuse conjonction. Ainsi, que ce soit à la baguette ou au clavier, Yakov Kreizberg sait admirablement accompagner ou dialoguer avec une immense artiste qui sait ne pas faire étalage de son époustouflante virtuosité. Francis Gérimont Alfred Brendel The Farewell Concerts ». Wolfgang Amadé MOZART Concerto pour piano n°9, Jeunehomme ». Sonate pour piano Josef HAYDN Variations Ludwig van BEETHOVEN Sonate pour piano n°1 Quasi una Fantasia ». Bagatelle n°4. Franz SCHUBERT Sonate Impromptu n°3. Johann Sebastian BACH Chorale Prelude Nun kommt der Heiden Heiland » BWV 659 arr. Busoni. Alfred Brendel, piano. Wiener Philharmoniker, dir. Sir Charles Mackerras. 2CDs Universal/Decca TT 71'21 + 69'48. Ultimes témoignages de l'art d’Alfred Brendel et aboutissement d'une tournée d'adieux qui, à l'automne 2008, le mena aux quatre coins de l'Europe jusqu'à l'ultime étape viennoise, ces deux disques sont à emporter sur l'île déserte. Saisis en direct, à Vienne Concerto et à Hanovre récital, ils constituent un concentré du dire d'un pianiste désormais entré dans la légende. Le programme est révélateur les compositeurs viennois au panthéon du clacissisme, que le pianiste a si souvent remis sur le métier, car chers à son cœur. Les trois premiers, Haydn, Mozart, Beethoven, il les unit dans un même geste, une unique vision du bonheur partagé. Des variations de Haydn, il souligne le travail des deux thèmes variés en alternance et l'humour caché, comme souvent chez le musicien. La Sonate de Mozart n'est pas aussi aisée qu'il y paraît. Un jaillissement continu l'éloigne du style galant. L'andante, d'une apparente sérénité, semble pointer quelque interrogation. Les variations plus légères du finale se résoudront pourtant dans le registre grave, le rire proche des larmes. Le son feutré si caractéristique de l'interprète se mesure encore dans la Sonate de Beethoven, marquée elle aussi au coin de la fantaisie de par ses attaca subito qui traversent les trois premiers mouvements. L'approche tout en clarté, que transfigure un toucher raffiné, génère un bonheur rayonnant. On se souvient concert à Zurich de l'émotion qui étreignit la salle lors de l'exécution de la Sonate de Schubert, tout comme ici. La perfection formelle devient évidence sous ces doigts inspirés qui jouent la dynamique à l'intérieur d'une échelle sonore se refusant aux écarts excessifs. Le climat d'hypnose de l'andante sostenuto est proprement envoûtant. Dans le scherzo, con delicatezza, fantomatique, le pianiste voit le jeu facétieux de l'aérien Ariel et d'un Caliban bougon. Le sage, le poète qu'est Brendel distille, sur le ton de la confidence, l'art suprême de la modulation schubertienne. Quant au Concerto pour piano n°9, dédié à une certaine Mlle Jeunehomme, pianiste française renommée, venue jouer à Salzbourg, Brendel l'illumine d'un jeu serein, et nous rappelle que Mozart n'y cherche pas non plus à sacrifier à quelque style galant. ____________ Bicentenaire Chopin Frédéric CHOPIN Valses. Alice Sara Ott, piano. Universal/DG 477 8095. TT 57'. Combien Chopin a-t-il composé de valses ? Leur nombre varie entre 14 et 19. Beaucoup ont été publiées après sa mort, et les découvertes se sont succédées jusqu'en 1950. Le présent album livrera 19 morceaux dont plus de la moitié posthumes. Alfred Cortot les rangeait en trois catégories les valses brillantes, évoquant le bal ; les valses de salon, rêveuses ; les valses allusives, plus poétiques que réellement dansantes. En tout cas, elles n'ont rien de viennois, et même - selon l'auteur - sont peu vouées à la danse à laquelle elles ne sont pas destinées. Alice Sara Ott appartient à cette génération de jeunes musiciens asiatiques bourrés de talent. Ses idoles sont Cortot et Lipatti, et elle prône une fidélité absolue au texte. Le jeu est clair, loin de toute manière sentimentale. La nostalgie qui pare plus d'une des ces pièces, n'est nullement sombre. On perçoit un souci d'improvisation, même si, çà et là, affleure quelque maniérisme. Mais l'esprit est présent, attendri dans la Valse de l'adieu, fragile dans telle autre composition où le rythme retenu maintient un équilibre fragile. C'est que souligner n'est pas ici de propos. Frédéric CHOPIN Sonates pour violoncelle & piano en sol mineur, Introduction et Polonaise brillante, Charles Valentin ALKAN Sonate de concert en mi majeur pour violoncelle et piano, Tatjana Vassiljeva, violoncelle. Jean-Frédéric Neuburger, piano. Mirare MIR 107. TT 72'50. Dédiée au célèbre virtuose Franchomme, la Sonate pour violoncelle appartient à la dernière période créatrice de Chopin. Après une longue maturation, elle sera achevée lors du dernier été passé à Nohant. Le langage est novateur instabilité rythmique et thématique très changeante au premier mouvement, scherzo en forme de mouvement perpétuel, finale tourmenté, dont l'énergie vitale semble retomber pour renaître sans cesse. Seul le largo évoque les belles cantilènes du passé, quoique, là encore, une nouvelle tournure se fasse jour. Une preuve supplémentaire de l'affection portée par Chopin au violoncelle cette Polonaise brillante, un essai de jeunesse qu'il tenait en peu d'estime pour dire, à son propos, qu'il y a là des effets pour les dames ». Et pourtant, après une belle mise en bouche, le brio du morceau éclate de vitalité et l'ampleur du chant du violoncelle donne tout son panache à une pièce qui ne laisse pas en reste le piano. Belle idée d'avoir intercalé entre les deux la Sonate d’Alkan. Encore écrite pour célébrer les dons peu habituels de Franchomme, elle est hyper-virtuose, dans le goût romantique, belcantiste aussi témoin le premier mouvement avec ses coups de boutoir et ses notes à l'arraché ; qu'on retrouve dans le finale alla saltarella » d'une ébouriffante faconde. Un adagio foisonnant de tournures fantasques crée une belle diversion. Les deux jeunes interprètes sont parfaitement en phase avec ces œuvres de climats très différents. ____________ Franz SCHUBERT Die schöne Müllerin, cycle de Lieder sur des poèmes de Wilhelm Müller. Jonas Kaufmann, ténor. Helmut Deutsch, piano. Universal/Decca 478 1528. TT 62'23. Le cycle de La Belle Meunière n'est jamais mieux servi que par la voix de ténor, pour laquelle il a d'ailleurs été composé. La belle histoire douce-amère du jeune meunier auquel sa belle préférera ce chasseur venu d'on ne sait où y prend sa vraie couleur une sorte de vulnérabilité que cèlent la simplicité des tonalités et une apparente improvisation, où la musique épouse de si près la poésie de Wilhelm Müller. Les thèmes chers à Schubert sont là l'errance, la fuite du temps, l'amour refusé, le recours à la nature consolatrice. À travers le meunier, n'est-ce pas Schubert lui-même qui s'exprime ? Jonas Kaufmann s'empare de ces pièces avec une rare conviction ; tour de force lorsqu'on sait que cet enregistrement live, d'un seul concert, a été effectué quelques jours seulement après qu'il a abordé à la scène la partie de Lohengrin, un tout autre challenge. Voilà une exécution palpitante, généreuse, presque fougueuse, naturelle, jamais empruntée. Ce qui frappe, c'est le souci de varier la coloration du timbre, du registre de ténor lyrique à la sombre inflexion du heldentenor, légèrement barytonnant ; combiné à un subtil dosage de la dynamique ppp caressés, clairs, impalpables ; forte éclatants, extrêmement articulés, qui n'hésitent pas à laisser la voix se développer. L'interprétation est tout aussi pénétrée, tout à tour élégiaque et tendre, et d'une force virile, alors que le drame affleure constamment. Helmut Deutsch lui assure un écrin pianistique d'une suprême fluidité, vigoureuse en même temps que transparente, telle l'ondulation d'une eau cristalline. Gabriel FAURÉ Quatuors pour piano et cordes et Trio Wanderer, Antoine Tamestit, alto. Harmonia Mundi HMC 902032. TT 62'29. De la musique de Fauré, Vladimir Jankélévitch dit que sa beauté est de l'ordre de l'ineffable ». C'est le cas tout particulièrement des quatuors pour piano et cordes, genre peu exploité, mis à part quelques essais conçus par Beethoven, et trois pièces de Brahms. Le compositeur y déploie son art singulier de la modulation et une inspiration mélodique généreuse. Les deux pièces sont-elles la copie l'une de l'autre, comme pourraient le faire penser des indications de tempo des mouvements sensiblement les mêmes et des coïncidences troublantes d'harmonie ? Il ne le semble pas. L'opus 15 se distingue par son jaillissement incomparable, notamment à l'heure du scherzo, d'une infinie légèreté, de par les arabesques spirituelles du piano. Tout reste effusion délicate dans ce quatuor. L'opus 45 offre un langage autrement plus complexe. C'est le Fauré de la maturité, affirmant la richesse d'une polyphonie merveilleusement fouillée » ibid. Le climat est aussi plus sombre. Le lyrisme expansif du premier quatuor laisse place à la méditation grave. L'adagio déroule un monde étrange, entre nostalgie rêveuse et douleur résignée. Mais le finale, en contraste, sonne comme une explosion de couleurs, d'une énergie jubilatoire dans ses ultimes mesures. Le clavier de Vincent Coq, d'une subtile fluidité, s'intègre délicatement aux cordes de ses collègues du Trio Wanderer, enrichies par l'alto d’Antoine Tamestit. Si délicat à réaliser dans ce type de pièce, l'équilibre sonore entre clavier et archets tient ici de l'idéal ; sans doute parce qu'on a affaire à un vrai ensemble qui connaît les lois de cette subtile interaction. Gustav MAHLER Symphonie n°4. Laura Claycomb, soprano. London Symphony Orchestra, dir. Valery Gergiev. CD TT 54'48. La Quatrième de Mahler est sans doute la plus riante de ses symphonies - en apparence du moins. Le bonheur et l'innocence de l'enfant, à l'image du Lied final de La vie céleste », semblent prédominer. Et pourtant, elle renferme des facettes plus sombres, contribuant à établir cette ambiguïté caractéristique de bien des œuvres du compositeur. En tout cas, Mahler allège la pâte sonore - les cuivres y sont rares - et le discours. L'exécution que livre Gergiev est plus apaisée qu'on ne l'aurait pensé, mêmes si les contrastes restent marqués et la dynamique large, quoique moins excessive qu'en d'autres occasions. Le tempo très retenu du premier mouvement, introduit par le trottinement des grelots, est empli de fantaisie et d'humour. La mélodie grinçante du scherzo, dont la thématique provient d'un personnage sinistre du folklore germanique, l'ami Hein, fleure le fantastique. L'adagio pris, justement, pas trop lent, évoque quelque havre tranquille. Mais n'est-ce pas une paix équivoque car recouvrant une méditation grave que trouble subitement une explosion de joie ? Le finale sera animé, mais encore ici en apparence. Le Lied qui doit être joué d'une manière enfantine et joyeuse » est distillé comme une confidence, pour s'éteindre de plus en plus piano, dans le silence. Gergiev est indéniablement inspiré par ce conte au charme espiègle et légèrement tourné vers le passé. La captation en direct ajoute à la spontanéité de l'exécution. On en apprécie d'autant plus les sonorités superlatives du LSO couleurs satinées des bois, douceur infinie des cordes. Jean-Pierre Robert Franz-Joseph HAYDN 1732-1809 Arianna à Naxos, Lieder & canzonettas. Stéphanie d’Oustrac mezzo-soprano, Aline Zylberajch piano-forte. Ambronay AMY023. Distr. Harmonia Mundi. TT 60’00. Un disque qui retiendra notre intérêt à plusieurs égards. Tout d’abord, parce qu’il démontre assez clairement l’évolution du Lied vers ce qui sera son aboutissement le Lied romantique. En empruntant des compositions à plusieurs recueils, différents dans le temps et dans la langue allemand ou anglais, on peut juger de l’évolution des rapports entre piano et voix, rapports se faisant, à la fois, vers la complexité, l’indépendance et la complémentarité. Ensuite du fait d’une interprétation tout à fait remarquable, tant dans la partie instrumentale où le piano-forte se fait tour à tour discret ou quasiment orchestral, comme dans la cantate profane Arianna à Naxos, que dans la splendide partie vocale. Stéphanie d’Oustrac [notre photo] y démontre une superbe voix de mezzo, chaude et ronde, sans vibrato, d’une ample tessiture, des aigus doux, jamais agressifs, aux graves profonds. Les Lieder et canzonettas y sont, à la fois, chantés et joués, en parfaite adéquation avec le texte. ©DR Niccolò PAGANINI Concerto pour violon n°1 ; I Palpiti ; 24e Caprice. Camille SAINT-SAËNS Havanaise ; Les cloches de Las Palmas. Lili Boulanger Nocturne. Christophe Boulier violon. Promusica P1003. TT 62’56. Après un disque consacré à sa tournée au Japon - paru en juillet dernier et recensé dans nos colonnes -, voilà un nouvel enregistrement de Christophe Boulier, effectué à l’occasion de sa tournée à Taiwan, associant Paganini, Saint-Saëns et Lili Boulanger. Un CD dédié à la virtuosité et qui, de ce fait, paraît quelque peu réducteur, avec toutefois une belle interprétation du Nocturne de Lili Boulanger. Igor STRAVINSKY Histoire du soldat et autres pièces. Michel Lethiec clarinette, Patrick Gallois flûte, Annick Roussin violon, Alexis Galpérine violon, Pierre-Henry Xuereb alto, Philippe Muller violoncelle, Francis Pierre harpe, Jean-Louis Haguenauer piano. Saphir LVC 1106. TT 60’00. Un disque intéressant qui nous permet d’écouter un large éventail de la musique de chambre composée par Stravinsky avec, notamment, cette réduction de l’Histoire du soldat pour clarinette, violon & piano. Un enregistrement qui met en avant l’éclectisme du compositeur, tant en ce qui concerne les effectifs instrumentaux que l’écriture musicale. Une remarquable interprétation par des musiciens talentueux. Tout simplement parfait ! Voix de Strass. Chœur de chambre de Strasbourg, dir. Catherine Bolzinger. TT 59’00. Un enregistrement qui présente huit œuvres chorales contemporaines, écrites pour Catherine Bolzinger et son ensemble par sept jeunes compositeurs, tous formés au conservatoire de Strasbourg Christian Bertrand, Dominique Delahoche, Luca Antignani, Éric Maestri, Andrea Manzoli, Ivan Solano, Maurillo Cacciatore. Un disque surprenant où la musique se dessine au-delà de nos schémas harmoniques et mélodiques habituels, un disque qu’il faut écouter avec un esprit de découverte à la recherche d’un monde sonore caché, à la fois dans la partition et peut-être au fond de nous-mêmes. Musiques de France Anthologie. Femmes compositeurs vol. 6. Musique des gardiens de la paix de la Préfecture de Police, dir. Pierre Walter. Orchestre à vents XXe siècle. Cristal Records Classic CRC 1001. TT 56’06. Un disque qui permet d’entendre des œuvres peu connues de femmes compositeurs Lili Boulanger, Ida Gotkovsky et Germaine Tailleferre, dans des transcriptions pour orchestre d’harmonie. Des compositions qui permettent d’explorer toutes les possibilités techniques et expressives des instruments à vent, tout particulièrement de la trompette et de la clarinette dans les deux concerti d’Ida Gotkovsky. Une excellente interprétation de Julien Chabod à la clarinette et de Clément Saunier à la trompette. Clément Saunier dont nous avions déjà salué, dans ces mêmes colonnes, en 2009, le premier album solo CRC 905. Patrice Imbaud. César FRANCK Pièce symphonique en sol mineur. Offertoire en mib majeur. Cantabile. Trois Chorals. Marie-Andrée Morisset-Balier au grand orgue Cavaillé-Coll de l'abbatiale Saint-Ouen de Rouen. Disques ASO 2009-S. TT 65'46. Pour son 40e CD, Marie-Andrée Morisset-Balier nous propose, sur le très beau Cavaillé-Coll de l'abbatiale Saint-Ouen de Rouen dont elle est titulaire, un récital d’œuvres de César Franck. Si 1a Grande Pièce symphonique op. 17 qui appartient au recueil des Six pièces pour grand orgue datant de 1860-62, ainsi que l'Offertoire en mib majeur ne comptent pas parmi les œuvres les plus souvent jouées du Pater Seraphicus », il n'en va pas de même du doux et profond Cantabile de 1878 et surtout des Trois Chorals de 1890. Dans ces œuvres ultimes, l'organiste de Sainte-Clotilde nous livre un véritable testament musical où la splendeur et la richesse de l'inspiration et de la science de l'écriture organistique atteignent des sommets. Marie-Andrée Morisset-Balier nous en donne une interprétation sensible, solide et fervente, servie par un instrument qui semble véritablement fait pour exprimer la noblesse et la grandeur de ces admirables pages. Gaston LITAIZE Jubilate Deo. Intégrale des œuvres pour orgue. Marie-Ange Leurant & Éric Lebrun. Coffret de 5 CDs Bayard-Musique, Élévation ». TT 70'14, 69'14, 65'39, 77'59, 77'29. Après l'intégrale de l’œuvre d'orgue de Dietrich Buxtehude Phantasticus en 2006 6 CDs, puis celle d'Alexandre Boëly Pange Lingua en 2008 8 CDs, notre jeune et talentueux duo, Marie-Ange Leurent-Lebrun et Éric Lebrun,nous propose cette année l'intégrale de l’œuvre d'orgue de Gaston Litaize 1909-1991 qui fut bien plus pour eux qu'un Maître éclairé », et dont ils souhaitaient par là célébrer le centenaire de la naissance. On reste confondus devant l'ampleur de travail que nécessite une telle entreprise, autant que par la perfection de la réalisation d'un tel hommage. Les deux premiers disques, consacrés à l'Organiste liturgique » et exécutés sur l'orgue Cavaillé-Coll Merklin de l'église Saint-Antoine des Quinze-Vingts dont Éric Lebrun est le titulaire, regroupent des pièces correspondant à la liturgie allant de Noël à Pâques pour le premier, puis de la Pentecôte à la Toussaint pour le deuxième. Signalons en particulier, à la fin du premier disque, la belle Sonate à deux pour orgue à quatre mains pour le temps pascal, dédiée À mes amis Éric et Marie-Ange Lebrun ». Signalons encore une Messe basse pour tous les temps et une Messe pour la Toussaint. Le 3e disque comporte 12 Pièces pour grand orgue où la somptuosité et la virtuosité de la Toccata sur le Veni Creator n°8 ne le cèdent en rien au charme champêtre de l’Intermezzo pastoral n°4, à la résignation désolée de la Prière n°9 ou du Lamento n°6, sans oublier la belle Double Fugue n°2, savante et structurée. Le 4e disque, sur l'orgue Fossaert-Tricoteaux de l'église de Bondues Nord, nous propose 24 Préludes liturgiques où se manifeste dans les belles Variations sur un cantique breton le goût de l'auteur pour le répertoire populaire et religieux. Dans le 5e disque, intitulé Le virtuose », les diverses facettes de l'art de Litaize se font jour, depuis la très belle Pièce en Trio n°1, très inspirée par Bach, ainsi que le Choral n°6, nourri, solide, jusqu'à la Grand Messe pour tous les Temps n°7-11 à laquelle un Postlude n°11 met un somptueux point final, pour terminer avec le superbe ensemble des Cinq Pièces liturgiques où la richesse et la variété de l'inspiration, animée par une foi profonde, font corps avec la solidité de l'écriture. Le talent consommé des deux interprètes qui se partagent cette imposante intégrale témoigne non seulement de leur maîtrise sur l' Instrument-Roi », mais aussi de la reconnaissance et de l'affection fidèle qu'ils portaient tous deux à leur Maître. Louis VIERNE Messe Solennelle, op. 16. A recreation of a Traditionnal Mass at Saint Sulpice, Sunday of the Resurrection ». Daniel Roth, Organiste titulaire de Saint-Sulpice, grand orgue. Éric LEBRUN, orgue de chœur. Chœur grégorien de Paris, dir. Thibaut Marlin. Chœur d'Oratorio de Paris, dir. Jean Sourisse. Solistes Edward Schafer, Charles Barbier. Coffret de 2 CDs. JAV Recordings 179. TT 50'48 + 58'38. Bien plus que l’enregistrement de la Messe Solennelle op. 16 de Louis Vierne 1870-1937 qui se limite aux 5 prières du Commun » Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei, ces 2 CDs nous permettent d’assister au déroulement de la Traditionnelle Messe latine à l’église Saint-Sulpice, le dimanche de la Résurrection », dont l’ouverture est saluée par les joyeuses envolées du carillon de l'église. Aux prières du célébrant, respectant fidèlement les rites de la liturgie pascale, s’intercalent, suivant l'enchaînement rituel de l’Office, des improvisations à l'orgue, commentant tel ou tel passage, des psalmodies grégoriennes, en chant responsorial par les solistes, des interventions du Chœur grégorien accompagnées par l'orgue du chœur, telles les antiennes Haec Dies et Pascha Nostra, et la séquence Victimae Paschali Laudes. Si le Propre » de l'Office reste fidèle à son déroulement, c'est avec les prières du Commun » que le rôle du compositeur intervient. Au suppliant Kyrie, chanté par le Chœur d'oratorio, dialoguant avec le grand orgue, fait suite un Gloria plein de force et d'animation ; mais avant le Credo où les solistes dialogueront avec le chœur, et avant l’Alleluia grégorien, un motet Alleluia a cappella de Jacobus Gallus 1550-1591 s'intercale, ainsi plus loin, qu'un autre magnifique motet, a cappella, de Giovanni Gabrieli 1555-1612, Jubilate Deo. Vient ensuite le Sanctus où le Chœur d'oratorio et les deux orgues dialoguent, suivi du Benedictus et de son jubilant Hosanna. À l’Agnus Dei, empreint d'une douce ferveur, fait suite, après les prières du Confiteor et la Communion, un majestueux Tantum Ergo de Vierne, précédant les rites finaux, se concluant par une solennelle et fracassante Sortie aux deux orgues, ponctuée par l'allégresse du carillon de Saint Sulpice. Ce très bel enregistrement, outre son intérêt documentaire indéniable, nous révèle des pages musicales inspirées et recueillies peu connues du grand organiste et de l'homme de foi que fut Louis Vierne, lui, dont la mort subite à son orgue de la cathédrale Notre-Dame de Paris bouleversa tout le monde artistique de l'époque. Les interprètes, tant les solistes Edward Schafer et Charles Barbier, que les deux organistes Daniel Roth et Éric Lebrun, que le Chœur grégorien de Paris et le Chœur d'oratorio de Paris, contribuent par leurs excellentes prestations à faire de cette réalisation une parfaite réussite. Francine Maillard. POUR LES PLUS JEUNES Nature et piano pour les tout-petits » De musiques en berceuses. Isabelle Lecerf-Dutilloy, piano. Anacrouse 609311 P 690. Distr. DJP. TT 55’20. Quelques instants de sérénité et de détente pour bébés. C’est efficace, nous l’avons testé ! Isabelle Lecerf-Dutilloy a sélectionné de courtes pièces pour piano de Mozart, Beethoven, Schumann, Chopin, Satie, Falla, Ravel et Éric Tanguy, entrecoupées de pièces de sa composition Un dimanche à la campagne. Connues pour la plupart, les pièces ont été choisies pour leur caractère apaisant et rassurant. Des bruits de nature oiseaux, vent, vague, eau perlante… sont discrètement inclus, comme pour aborder les premiers instants de la vie dans le calme et le bien-être. Du bonheur ! Gérard Moindrot. *** Haut S’ouvrant sur un éditorial de l’Inspecteur général de l’Éducation nationale, M. Vincent Maestracci, orientant de façon concise l’élève dans son travail, le supplément Baccalauréat 2010 de L’éducation musicale est d’une rare densité pas moins de 148 pages d’analyses et références. Indispensable aux professeurs d’Éducation musicale et aux élèves de Terminale qui préparent l’épreuve de spécialité série L » ou l’épreuve facultative Toutes séries générales et technologiques du baccalauréat », cette publication réunit les connaissances culturelles et techniques nécessaires à une préparation réussie. À commander aux Éditions Beauchesne 7, cité du Cardinal-Lemoine, 75005 Paris. Tél 01 53 10 08 18. Fax 01 53 10 85 19. Au Sommaire de notre n°565 Mars-avril 2010 Dossier Musique et franc-maçonnerie » De l’ego à l’égrégore/ Le frère Mozart/ Liszt et la franc-maçonnerie/ Un grand compositeur franc-maçon Sibelius/ Regards sur la franc-maçonnerie à travers ses chansons/ Art lyrique et franc-maçonnerie/ Présence de la musique en loge la Colonne d’harmonie. Analyse Une preuve du symbolisme numérique chez Johann Sebastian Bach le contrepoint XIV de l’Art de la fugue. Divers Così fan tutte ou le théâtre d’amour/ Marguerite Canal, compositrice/ D’une mission l’autre quelles perspectives pour l’Orchestre national d’Île-de-France ? [Entretien avec le chef d’orchestre Yoel Levi]/ La grille d’Hélène Jarry. *** Dossiers déjà parus dans L'éducation musicale Femmes compositrices 2 n° 562 Musique et cinéma 2 n° 561 Musique et cinéma 1 n° 560 Paris et la musique à l’époque des Ballets russes n° 559 La chanson n° 557/558 Femmes compositrices 1 n° 555/556 Activités vocales et instrumentales à l’école n° 553/554 Le bruit n° 551/552 Percussions n° 549/550 Dossiers à paraître Permanence d’Olivier Messiaen Passer une publicité. Si vous souhaitez promouvoir votre activité, votre programme éditorial ou votre saison musicale dans L’éducation musicale, dans notre Lettre d’information ou sur notre site Internet, n’hésitez pas à me contacter au 01 53 10 08 18 pour connaître les tarifs publicitaires. - Laëtitia Girard

dans les yeux d emilie partition trompette